Grease

DESDE SU ESTRENO EN LOS AÑOS 70, MILLONES DE PERSONAS EN TODO EL MUNDO SE HAN CONTAGIADO DE LA GREASEMANÍA EN LAS DIFERENTES PRODUCCIONES QUE SE HAN REPRESENTADO. LOS CHICOS Y CHICAS DEL INSTITUTO RYDELL HAN VUELTO A MADRID. GISELA Y CARLOS SOLANO, ENTRE OTROS, NOS HACEN BAILAR CON LAS INOLVIDABLES CANCIONES “SUMMER NIGHTS” Y “YOU´RE THE ONE I WANT”. Por Vanesa Ballesteros.

 

La versión española del musical de Jim Jacobs y Warren Casey “Grease, el musical de tu vida” inicia su segunda temporada en el Nuevo Teatro Alcalá. La andadura de este exitoso montaje en España se inició en otoño de 2006. Se estrenó en el Teatre Victòria de Barcelona donde obtuvo un rotundo éxito de público: recibió a más de 600.000 espectadores en casi 500 funciones. 

Tras una pequeña gira llegó al Nuevo Teatro Alcalá de Madrid el 30 de septiembre de 2008 y permaneció en cartel hasta el pasado 28 de junio. Más de 100.00 espectadores pudieron disfrutar de él. En la dirección está Ricard Reguant, la coreografía es de Coco Comín y la dirección musical corre a cargo de Manu Guix.

LA NOSTALGIA DE UNA ÉPOCA 

Sin duda, uno de los mayores atractivos de este musical es su banda sonora, que cuenta con éxitos que ya se han convertido en clásicos y que, todavía hoy, suenan continuamente en las emisoras de radio de todo el mundo. Las canciones “Summer nights” y “You’re the one that I want” fueron número uno de las listas inglesas en 1978 mientras que la canción “Hopelessly Devoted to you” fue nominada al Oscar en 1979. “En esos temas hemos mantenido la esencia del rock & roll”, apunta el director.

Así, chicos y chicas, “T-Birds” y “Pink Ladies”, entre ellos, Gisela que da vida a Sandy y Carlos Solano como Danny Zucko, desarrollan a lo largo del espectáculo un total de 18 temas musicales de los cuales “tan sólo cuatro son baladas, por lo que está todo lleno de ritmo”, ha señalado la protagonista.

Reguant nos explica que “la obra no es una franquicia, se trata de una creación propia a partir del original. Las coreografías deben recordar a las de la película, pero no son las mismas, de hecho, tan sólo se han mantenido el clásico barrido de brazos y la batidita de manos”.

El eje argumental de Grease se centra en la relación entre Danny y Sandy, dos adolescentes que se reencuentran en el instituto después de vivir un affaire de verano, pero el joven parece haber cambiado de actitud. El título representa una evocación del estilo de vida de los jóvenes americanos de los últimos años 50 y juega con la homonimia de la palabra grease, que en inglés significa al mismo tiempo gomina y grasa, dos elementos clave de la cultura juvenil de la época.

En definitiva, el Teatro Nuevo Alcalá nos vuelve a brindar la oportunidad de disfrutar de los tupés, la gomina, las faldas de vuelo y sobre todo, de una banda sonora que nos hace vivir momentos inolvidables recordando la historia y las canciones de los chicos del instituto Rydell.

Teatro Nuevo Alcalá

 

Sexos

ANABEL ALONSO, ADRIANA OZORES Y PEPÓN NIETO COMPARTEN SUS DESEOS FRUSTRADOS EN ESTA COMEDIA TREMENDAMENTE ÁCIDA DE PEP ANTÓN GÓMEZ. NEUS SANZ Y FEDERICO CELADA COMPLETAN EL ELENCO DE ESTA OBRA QUE VUELVE A JUNTAR, AHORA ENCIMA DE UN ESCENARIO, A STOS COMPAÑEROS DE REPARTO DE LA SERIE TELEVISIVA “LOS HOMBRES DE PACO”. EL AMOR, LA PASIÓN, EL HUMOR Y LA FRUSTRACIÓN SON ALGUNOS DE LOS INGREDIENTES DE ESTA ALOCADA FUNCIÓN. Por V. Ballesteros

 

“Sexos” se define como una comedia ácida y alocada. Con este contundente título todos pensamos que esta obra urbana y coral que protagonizan Pepón Nieto, Adriana Ozores y Anabel Alonso, entre otros, es un montaje de enredos amorosos, sin más. 

Pero detrás de ese título se esconde una obra que nos enfrenta a las relaciones de pareja, infidelidades, crisis y dudas existenciales salpicado todo ello de buenas dosis de humor. A Nieto, Alonso y Ozores les acompañan Neus Sanz y Federico Celada dirigidos por Pep Antón. Interpretan a una colección de personajes acuciados por necesidades sentimentales. Cristina es una mujer insatisfecha por la poca disposición para el sexo de su marido Alberto, que prefiere ejercitarlo con otras mujeres. Envidia a Martín, un amigo de vida sexual activa. Cerca de ellos se mueve Maite, una mujer indecisa que no sabe poner freno a una vida dispar y alocada.

DESEOS INSATISFECHOS Y VIDAS CRUZADAS 

Desde que se estrenó el 4 de septiembre, 30.000 personas han podido disfrutar de las más de 50 funciones de esta ácida comedia sobre deseos insatisfechos y vidas cruzadas. Un escenario totalmente minimalista, sin un solo elemento escénico al que agarrarse. ”Los personajes de ´Sexos´ se encuentran en un momento crucial de sus vidas. Todos están entre los 40 y los 45 años y sienten que la vida se les escapa, que les faltan cosas por hacer y que cada vez les queda menos tiempo y energía. Esto les provoca ansiedad, dudas, deseos y remordimientos”, declara el director. 

El título de la obra está en plural para mostrar que “por un lado se habla tanto de hombres como de mujeres y, por otro, para hacer referencia a los distintos puntos de vista que tienen los personajes sobre el sexo. Por ejemplo, para el personaje de Federico Celada, el sexo puede ser interpretado como una filosofía de vida basada en la promiscuidad a la que él no quiere renunciar ni siquiera a cambio del matrimonio. Mientras, para el personaje de Anabel Alonso, la mujer soltera, el sexo no es más que un vehículo para buscar el amor”, asegura Antón.

Los actores afirman que los personajes son unos inválidos emocionales y están condicionados por una educación basada en el sentimiento de culpabilidad. Su director considera que “la gente puede reconocerse en estos personajes que, cada uno a su manera, tratan de quemar etapas y se lanzan a la carretera como locos”. Un cóctel explosivo con una gran banda sonora cinematográfica que nos recuerda al cine mudo.

TEATRO LA LATINA

 

 

Bodas de Sangre. De Federico García Lorca

SENTIMIENTOS DESGARRADOS, PASIONES IMPOSIBLES DE OCULTAR, SIMBOLISMO Y , COMO NO, LA MUERTE PRESENTE DE PRINCIPIO A FIN. JOSÉ CARLOS PLAZA REALIZA PARA EL CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL ESTE MONTAJE DE LA MÁS PURA TRAGEDIA LORQUIANA.  Por Vanessa Ramiro.

Cuenta la hispanista francesa Marcelle Auclair que, estando Lorca en la Residencia de Estudiantes charlando con un amigo, entró otro con un ejemplar del diario ABC. Lorca lo ojeó y poco después exclamó: “¡La prensa, qué maravilla! ¡Leed esta noticia! Es un drama difícil de inventar”. Se refería el granadino a una noticia publicada el 25 de julio de 1928 que relataba un suceso acaecido en Níjar, Almería: una boda termina en tragedia al ser raptada la novia, siendo más tarde asesinado el raptor y detenido el novio burlado.

EL GENIO DE UN POETA

El suceso quedó grabado en la memoria del granadino y a lo largo de cinco años fue gestando un texto dramático de una grandeza inigualable. “Es sorprendente. Esta obra lo que hace es elevar mucho el espíritu del ser humano”, afirma el director José Carlos Plaza. Pero, ¿qué tiene de especial esta historia? Lo sabe bien Noemí Martínez, que interpreta a una Novia incapaz de controlar la pasión que siente por Leonardo, “es una historia de sentimientos y cuando los sentimientos son de verdad, puedes intentar frenar, pero jamás lo logras”.

Con ella, Lorca quería lograr un texto arraigado en tierra andaluza, pero capaz de conseguir una dimensión universal. Así escribió una obra donde sobresale un equilibrio perfecto entre verso y prosa, entre poesía y drama sin renunciar a los rasgos que caracterizan su teatro: primitivismo pasional, sinceridad desgarrada, pinceladas folclóricas, musicalidad y personajes que se expresan con un lenguaje que transparenta al autor detrás de cada palabra.

En “Bodas de Sangre” el autor profundiza en un estilo muy extraño a la dramaturgia española: la tragedia. Lorca utiliza la presencia constante de la fatalidad desde las primeras frases de la Madre. Los personajes son trágicos y están irrevocablemente marcados por el destino. 

Del mismo modo que el suceso lleva en sí el germen del hado trágico, la realidad está preñada de símbolos y la mujer es la encargada de interpretarlos: el cuchillo, la navaja, el caballo, el bosque, la Luna, los Leñadores, la Mendiga. Y por encima de todo una fuerza motriz pasa por encima de prejuicios, normas y represiones: la sexualidad, que se muestra desnuda, limpia y prácticamente sin anécdota y sin adornos.

DESNUDANDO EMOCIONES

La escenografía ideada por José Carlos Plaza no intenta reproducir un mundo rural, sino un espacio donde se desnudan los sentimientos y las emociones. Por eso, “es una escenografía muy neutra, una sala fría, un suelo de piedra, sin elementos circunstanciales. Es un espacio muy vacío, muy fin del mundo, donde todo tiene un aire absolutamente hierático y muy inhabitable”, afirma.

No en vano, Lorca atribuía al teatro la misión de explicar con ejemplos vivos normas eternas del corazón y del sentimiento del hombre. “El teatro de Lorca te engancha con una emoción a través de una imagen, no pasa mucho por la cabeza, pasa más por los sentidos, por los sentimientos”, comenta Luis Rallo, que interpreta el papel del Novio.

 

LA HISTORIA DE ESTA HISTORIA

Estrenada en Madrid en 1933, su éxito, como en Barcelona, fue más de crítica que de público. Sin embargo, poco después suscitó gran entusiasmo en Buenos Aires y un par de años más tarde resultó difícil para el público neoyorquino, que la acusó de exceso de localismo y de lenguaje artificial. No obstante, conocería el éxito en España con la reposición que hizo en Barcelona en 1935 Margarita Xirgu. Entre otras muchas versiones destacan las que en 1962 dirigió José Tamayo con Pepita Serrador y Paquita Rico; el ballet de Antonio Gades en 1974; la versión cinematográfica de Carlos Saura en 1981 y el estreno de la de José Luis Gómez en 1985.

Si no es fácil poner en pie una obra como ésta, tampoco interpretarla. José Carlos Plaza nos cuenta que los actores “tienen que tener mucha sensibilidad, mucha inteligencia para captar los símbolos e intentar transmitirlos a través de su propio organismo, mucha capacidad poética y mucho sentido del ritmo”. Sin embargo, Luis Rallo, que es la primera vez que se ‘enfrenta’ a un Lorca, afirma: “cuando algo está tan bien escrito es fácil, lo difícil es estar a la altura del texto”.

Completan el reparto Consuelo Trujillo (Madre), Carlos Álvarez Novoa (Padre) e Israel Frías (Leonardo), entre otros.

Desde el 12 de Noviembre

Teatro María Guerrero

 

 

 

XXVI Festival de Otoño. 2ª parte

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Por Vanessa Ramiro

DANZA

• Abre el festival la pieza “Kontakthof” (T. Canal). Estrenada en 1978 con los bailarines de la troupe del Tanztheater Wuppertal, fue retomada en el año 2000 por Pina Bausch. Con un elenco compuesto por hombres y mujeres de más de sesenta y cinco años, nos sumerge en un mundo nostálgico que ahonda en la necesidad de sentirse amado. Transgresión, erotismo y ternura en el montaje que la crítica ha descrito como cruel y emocionante.

• Anne Teresa De Keersmaeker presenta al mundo “Rosas danst rosas” (T. Canal), pieza con la que nos acerca a la dialéctica entre agresión y ternura, entre uniformidad e individualidad, a través de cuatro mujeres, entre ellas la propia Anne Teresa, y, además, estrena en España su última creac

ión, “The Song” (T. Canal), con la que sube al escenario a nueve hombres y a una mujer que tejen y destejen un universo de relaciones triangulares que bascula entre la armonía y el caos.

• Presentan también sus espectáculos los belgas Jan Lauwers y Koen Augustijnen. El primero sorprende con “Isabella’s Room (La habitación de Isabella)” en la que nueve actores y bailarines cuentan y cantan la vida de Isabella Morandi, con la monumental actriz Viviane De Muynck como epicentro del escenario. Una mujer ya invulnerable, que ha aprendido a amar la vida, nos exhorta a reír y ser amables con lo desconocido (T. Español). Por su parte, Koen Augustijnen nos trae “Ashes (Cenizas)”, un canto a lo que muere pero también a la capacidad de los seres humanos para resurgir de sus cenizas que cuenta con el compositor Wim Selles, la música de Handel y la belleza concentrada de las voces del contratenor Steve Dugardin y la soprano Amaryllis Dieltiens (T. Canal).

• También podrán verse en los escenarios madrileños “El final de este estado de cosas, redux”, del bailaor y Premio Nacional de Danza 2005 Israel Galván que, acompañado por cantaores, el grupo Orthodox, un vídeo que cuenta con imágenes la guerra del Líbano, seguiriyas, una violinista, guitarras eléctricas y un ataúd, emprende un viaje personal por el libro del Apocalipsis en una

 pieza que habla de la vida y la muerte, de los mitos y de las profecías (T. Español), y “De nim não posso fugir, paciencia!” (T. Pradillo), de la joven coreógrafa portuguesa Tânia Carvalho, que toma su título de un verso de la poetisa Patricia Caldeira y sobre la que reflexiona: “El expresionismo es la tendencia del artista hacia la deformación de la realidad mediante un efecto emocional, es una forma de arte subjetivo. Cuando empiezo una pieza de danza, me involucro con las experiencias del mundo que he acumulado en mi interior y creo una composición a partir de esto. Cada uno de nosotros ve y siente las cosas que nos rodean de manera diferente”.

 

MARTA CARRASCO

Desde la irreverencia, la furia y el desafío, Marta Carrasco, Premi Nacional de Dansa de la Generalitat de Catalunya en 2005, se zambulle con “Dies irae; en el réquiem de Mozart” en el culto fúnebre (T. de la Abadía). Guiados por el Réquiem de Mozart, quince intérpretes, la mitad enraizados en Madrid y la otra mitad en Barcelona, desnudan la liturgia y muestran sin concesión la debilidad de la verdad mientras abren un telón fro

nterizo, símbolo de la apuesta personal de Marta Carrasco por enlazar las dos ciudades. Un espectáculo que va más allá de una misa de difuntos hasta devorar y obsesionar.

 

MARÍA PAGÉS

Con música matizada con ecos flamencos, clásicos y árabes quedan representadas las raíces del belga Sidi Larbi Cherkaoui (Mejor Coreógrafo del año 2008) y María Pagés (Premio Nacional de Danza). Juntos estrenan en Madrid “Dunas” (Teatros del Canal), una pieza que nace de una admiración mutua en la que se une flamenco y danza contemporánea y que la española define así: “A mí me llevará Larbi a reconocerme en esa alma no sólo de artista o creadora, sino en la de mi propia persona. Yo llevaré a Larbi de la mano al ree

ncuentro con sus esencias”.

MÚSICA

• La noruega Hanne Hukkelberg vuelve a la primera línea de la actualidad musical con su esperado tercer disco, “Blood from a Stone” (La Casa Encendida). Pop, jazz y ecos electrónicos son las banderas de esta artista que a lo largo de su carrera se ha rodeado de lo más granado del campo experimental y jazzístico nórdico, como Jaga Jazzist, Dinosau y Shanning, entre otros.

RYUICHI SAKAMOTO

Este año Ryuichi Sakamoto vuelve a la carga con su primer álbum en solitario en cinco años, “Playing the Piano” (T. Circo Price). En Madrid podremos disfrutar de composiciones que funcionan como evocadores minipoemas sonoros con los q

ue el japonés vuelve a demostrar que, en su música, la única constante es el cambio. La carrera de Sakamoto, uno de los compositores más premiados de la escena actual, se ha caracterizado siempre por romper las barreras entre música y tecnología. Miembro fundador del mítico grupo Yellow Magic Orchestra, ha trabajado junto a personalidades como David Bowie, Iggy Pop o Pina Bausch.

CIRCO

• Adrián Schvarzstein nos acerca en “Circus Klezmer” la música klezmer, nacida en pequeños pueblos de Europa del Este antes de la Segunda Guerra Mundial donde tenía lugar una intensa vida judía. El humor característico de la cultura yiddish es el que ha inspirado este espectáculo de circo contemporáneo en el que los números acompañan a una historia y a unos personajes bien definidos. Con una música muy circense, romántica y onírica desarrollada en ambientes populares, se celebra entre risas y trucos la divertida boda del Circus Klezmer (Teatros CAM).

• “Chouf Ouchouf” (que en árabe significa “Mira y vuelve a mirar”) es un espectáculo de nuevo circo fruto de la unión de los suizos Martin Zimmermann y Dimitri de Perrot con los marroquíes del Groupe Acrobatique de Tánger. En medio de un laberinto de preguntas y reflexiones, el resultado 

es una pieza llena de vida y entusiasmo que balancea al público entre el miedo a lo desconocido y el deseo de conocer nuevos mundos (T. Circo Price). 

NUEVO CIRCO DE VIETNAM

“Lang Toi”, el espectáculo con el que se presenta en Madrid el Nuevo Circo de Vietnam, supera las convenciones del género y presenta una historia con narración argumental. Con el timbre de los instrumentos ancestrales, la música en directo marca el pulso rítmico de las distintas técnicas circenses, entre ellas teatro, malabares, acrobacia, artes marciales y música, mientras acompaña al espectador a un espacio estético oriental, que resulta, al tiempo, evocadoramente exótico y sorprendentemente familiar. El resultado, distintas escenas que, un

idas, forman un collage del exótico Vietnam: el canto del gallo, niños saltando a la comba, hombres trabajando en los campos de arroz, etc (T. Circo Price). 

Del 4 al 29 de Noviembre. Varios teatros.

 

 

 

 

Humor + Improvisación en el teatro Alfil

 

 

 

 

 

 

 

UN DUELO A MUERTE ENTRE DOS CÓMICOS Y PELEAS ENTRE DOS PAREJAS DE ACTORES. NO, NO SE ASUSTEN. NO ESTAMOS HACIENDO APOLOGÍA DE LA VIOLENCIA, SINO DE LA CARCAJADA. Por V. Pulido. 

CÓMICO BUENO, CÓMICO MUERTO

El archifamoso monologuista Ricardo Castella comparte camerino con un cómico primerizo del que sólo se conoce su nombre artístico: ‘el cómico sin nada en la cabeza‘. En esa complicidad entre artistas que se crea detrás del escenario, el primero revela el secreto de su éxito: va a ver a cómicos novatos y, si algo de lo que ve le gusta, lo copia… sin dejar huellas.

Pero, ¿por qué contarlo? “¡Porque él me lo pregunta! Y, a mí mentirle a un compañero me parece inmoral y también porque, como al final de la obra le mato da un poco igual”, afirma Ricardo Castella, autor y actor de este divertido montaje. Pero, ¿pasan realmente estas cosas en este mundillo? “Por supuesto. Todo el mundo copia a todo el mundo y luego se matan unos a otros en interminables orgías de muerte y destrucción“, nos revela Juan Diego Martín, que interpreta al nuevo.

Según Castella el espectáculo es “un musical de pequeño formato y grandes risas“ que forma parte de un plan perfectamente maquinado: conquistar Broadway con un musical español. “Ya es hora de vengarse: inundémosles con musicales españoles. ¡Qué traduzcan ellos!“.

Desde el 12 de Noviembre.

NUEVO CATCH DE IMPRO

“Cada noche el público nos sorprende con alguna barbaridad nueva”, nos cuenta Jorge Rueda, director y actor de este espectáculo. La compañía Impromadrid Teatro, que también tiene en escena en este mismo teatro “La Familia García de la Impro”–una obra en la que los cinco miembros de una familia improvisan en cada representación la historia de sus vidas– regresa con este divertido Catch después de llenar el año pasado y prorrogar varias veces. 

El público propone y los actores disponen. Ésta es la filosofía. Sobre el escenario dos parejas de actores compiten en siete asaltos y crean historias improvisadas a partir de las propuestas del público. Y, como en un ring, sólo puede quedar uno en pie. “Después de cada asalto se vota (mano abierta o puño cerrado) y el público decide qué pareja le ha gustado más. Se van dando puntos hasta que resulta un único y digno ganador de la velada”, explica Rueda.

Los espectadores eligen el estilo, proponen el tema o el título, dan profesiones a los personajes o estados de ánimo… y ahí es donde muchas veces llega la sorpresa y los ojos como platos del actor. “No todo el mundo puede jugar un Catch. Hay que estar bien formado en improvisación, saber construir historias en el momento, escuchar mucho a tus compañeros y estar curtidito en el humor”, nos cuenta y añade: “si lo piensas, el Catch es una forma de complicarse la vida”. El espectáculo “está envuelto en un montaje de proyecciones y música (vj y dj en directo) que hacen de cada función una fiesta”, concluye el director.

Teatro Alfil

 

 

XXVI FESTIVAL DE OTOÑO (1ª parte)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

UN AÑO MÁS, LA COMUNIDAD DE MADRID CELEBRA UNA NUEVA EDICIÓN DEL FESTIVAL DE OTOÑO CON UN CARTEL DE PRESTIGIO. Y VAN YA VEINTISÉIS. DURANTE CASI CUATRO SEMANAS PASARÁN POR LOS TEATROS DE LA COMUNIDAD FIGURAS DE LAS ARTES ESCÉNICAS COMO ROBERT LEPAGE, DANIEL VERONESE, ANGÉLICA LIDDELL, EL CIRCO DE VIETNAM LANG TOI O EL COMPOSITOR JAPONÉS RYUICHI SAKAMOTO, ENTRE OTROS MUCHOS. Por Vanessa Ramiro.

UN CARTEL HETEROGÉNEO

Fiel a su estilo, consagrado ya en la región, el festival presenta un desfile de estrellas llegadas de todas las partes del mundo que contribuyen a crear un cartel heterogéneo orientado hacia un público variado que podrá disfrutar de montajes de teatro, danza, música y circo.

La programación, que incluye desde el clasicismo de alta calidad del Piccolo Teatro di Milano hasta la vanguardia audiovisual del austríaco Kurt Hentschläger pasando por uno de los más destacables espectáculos de música a cargo del compositor japonés Ryuichi Sakamoto, entre otros, convertirán durante las cuatro semanas que dura el festival a la Comunidad de Madrid en el epicentro cultural de Europa.

PINA BAUSCH

El Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid da el pistoletazo de salida de su XXVI edición con “Kontakthof” (en alemán, lugar de encuentro y, por extensión, casa de citas), una pieza para veintisiete bailarines de la recientemente fallecida Pina Bausch. 

La coreógrafa alemana ha sido una de las figuras emblemáticas de la programación de las últimas ediciones de este festival, en el que ha presentado piezas como “Nefés” y “Vollmond”. Nacida en 1940 y directora desde 1973 del Tanztheater Wuppertal, Bauch revolucionó los escenarios mundiales en la década de los setenta con sus pioneros trabajos de teatro-danza.

TEATRO

 

• Cabe resaltar la participación de otro argentino, Claudio Tolcachir, que tras el éxito de “La omisión de la familia Coleman”, presenta en Madrid “Tercer cuerpo (la historia de un intento absurdo)”. Sobre el escenario, una oficina destartalada, la casa de una pareja, un bar y una consulta médica. Diferentes espacios donde se mueven las vidas de cinco personajes unidos por la soledad, la incomprensión y la necesidad de amar. La historia de querer vivir cada día a pesar de todo (Teatro Español).

• Desde Austria, en colaboración con Estados Unidos, nos llega “Feed”, una performance audiovisual en la que Kurt Hentschläger dinamita el lenguaje escénico y estético actual y en la que el público experimenta los efectos sorprendentes que producen los cambios en un entorno artificial (La Casa Encendida).

• Hasta Madrid viajan también otros espectáculos como “Nunzio” (Sala Cuarta Pared), sorprendente ópera prima de Spiro Scimone, que junto a Francesco Sframeli (su compañía presenta también “Bar” (Sala Cuarta Pared y Teatros CAM)) forma ya una consolidada pareja de actores; “Sonja” (T. Abadía), escrita por Tatiana Tolstaya y dirigida por el multipremiado director letón Alvis Hermanis; “Proprio come se nulla fosse avvenuto” (Naves del Español), de Roberto Andò; “Jerk” (T. Pradillo), la cuarta obra de la directora, coreógrafa, intérprete y artista visual Gisèlle Vienne; también desde Francia llegan el actor Patrice Thibaud, que escribe y codirige la pieza “Cocorico” (Instituto Francés y Teatros CAM) junto a Michèle Guigon y Susy Firth, y Simon Abkarian, autor y director de “Pénélope ô Pénélope” (Instituto Francés). 

• Tampoco conviene perder de vista otros montajes como “Médée”, de Jean-Louis Martinelli (Sala Cuarta Pared); “La ópera de 3 peniques”, un clásico de Bertolt Brecht bajo la dirección escénica de Marina Bollaín (T. Canal); “La cámara lúcida”, pieza con la que el japonés Shiro Takatani rinde homenaje a la obra del mismo título del escritor y ensayista francés Roland Barthes (T. Canal); “Helverova noc (La noche de Helver)”, una producción de Bosnia y Herzegovina dirigida por Dino Mustafic (T. de la Abadía), y “Fedrina Ljubav (El amor de Fedra)”, una obra de Sarah Kane que atrajo el interés de la directora serbia Iva Milosevic (T. Fernán-Gómez).

 

DANIEL VERONESSE

Después de encarar dos versiones del maestro ruso Chéjov, el director argentino nos acerca a la obra del noruego Henrik Ibsen con “El desarrollo de la civilización venidera” y “Todos los grandes gobiernos han evitado el teatro íntimo” (Sala Cuarta Pared y Teatros CAM), dos piezas independientes pero que están íntimamente unidas por un mismo espacio escénico y por una fuerte conexión en la dramaturgia. 

 

PICCOLO TEATRO DE MILÁN

Desde Italia el recientemente galardonado como Mejor Actor en los Premios del Cine Europeo Toni Servillo nos acerca el saber hacer del Piccolo Teatro di Milano con “Trilogia della villeggiatura”, tres comedias de Carlos Goldoni que conforman un fresco de la sociedad burguesa del Settecento (T. Canal).

 

SAMUEL BECKETT

Rick Cluchey asiste en la cárcel en la que cumplía cadena perpetua a una función de “Waiting for Godot”. Queda tan impresionado que entre él y Samuel Beckett se inicia una larga relación profesional y de amistad desde 1977, cuando Beckett dirige a Cluchey en “Krapp’s Last Tape” (Sala Cuarta Pared). 

 

ANGELA LIDDELL

Cuenta Angélica Liddell que el día de su cumpleaños se sintió asustada, furiosa y triste por el paso del tiempo y por haber perdido todo lo que amaba o había amado. Ese mismo día se apuntó a un gimnasio y allí nació “La casa de la fuerza”, una pieza que habla de la soledad y del agotamiento tanto físico como espiritual (Naves del Español).

 

ROBERT LEPAGE

En la efervescente paradoja de la China contemporánea, la colisión de dos mujeres y un hombre abre una brecha inesperada en sus respectivos destinos.

Con “The Blue Dragon“ (Teatro de Madrid), Robert Lepage recupera al personaje de Pierre Lamontagne veinte años después del éxito de “La trilogía de los dragones”. Con un lenguaje cinematográfico y la conjunción de danza, efectos sonoros, canto lírico, vídeo y un completo arsenal multimedia el director canadiense logra envolver al espectador en un viaje oriental profusamente elaborado.

 

EL FESTIVAL EN NÚMEROS

• 35 espectáculos y 142 funciones.

• 35 estrenos, 2 absolutos, 16 en España y 17 en Madrid.

• 6 espectáculos españoles: 1 de Andalucía, 2 de Cataluña, 2 de la Comunidad de Madrid y 1 de España (Comunidad de Madrid) en colaboración con Bélgica.

• 29 espectáculos internacionales procedentes de 19 países (Alemania, Argentina, Austria, Estados Unidos, Bélgica, Bosnia y Herzegovina, Canadá, Islandia, Australia, Francia, Italia, Japón, Letonia, Noruega, Portugal, Serbia, Suiza, Marruecos y Vietnam).

• 11 espacios en Madrid ciudad y otros 10 en diez municipios de la Comunidad de Madrid, entre ellos, Alcobendas, Arganda del Rey, Móstoles, Getafe, Tres Cantos, Pozuelo de Alarcón o San Fernando de Henares.

Del 4 al 29 de Noviembre.

Más información en www.madrid.org/fo/2009/es/index.html

Tercer Cuerpo

“UN ROMPECABEZAS MONSTRUOSAMENTE HUMANO” ASÍ EES COMO DEFINE LA ACTRIZ MELISA HERMIDA EL NUEVO MONTAJE DEL DIRECTOR DRAMATURGO CLAUDIO TOLCACHIR QUE CONTINUARÁ EL CICLO INICIADO CON “LA OMISIÓN DE LA FAMILIA COLEMAN”. A TRAVÉS DE UN HUMOR NEGRO DESPIADADO SE NARRA LA HISTORIA DE QUERER VIVIR CADA DÍA… A PESAR DE TODO. Por Miriam Gómez.

En Buenos Aires, el “Tercer cuerpo” es un bloque que se encuentra en el interior de la manzana. Es decir: edificio, patio, edificio, patio y de nuevo edificio… Como una tercera escalera interior. La oficina de los personajes de la obra de Claudio Tolcachir está en un piso de ese tercer cuerpo, un espacio que (como los personajes) se halla perdido en ninguna parte.

Un consultorio médico, una oficina de funcionarios en la que no se hace nada en concreto, la casa de una pareja que se ama pero que no sabe disfrutar de ese amor… Cinco personajes (cuatro de ellos muy mentirosos) cuyo ser más íntimo es totalmente secreto para los demás.

DESPUÉS DE LA FAMILIA… 

Tras el éxito de la intensa y humana (demasiado humana) “Omisión de la familia Coleman”, el bonaerense Claudio Tolcachir regresa a España para presentar su nueva propuesta escénica, concebida de forma muy distinta que la anterior. “Cuando escribí ‘Tercer Cuerpo’ tenía más experiencia en la escritura teatral y podía jugar un poco más con la dramaturgia. La obra transcurre en muchos espacios pero no hay ningún cambio en la iluminación y en la escenografía. Es la pura actuación y el texto lo que nos lleva.”

Otra gran diferencia es que, “en ‘La Familia Coleman’, los personajes son una familia y por lo tanto no se eligieron. ‘Tercer Cuerpo’  transcurre en una oficina y en la vida de una pareja. La tensión dramática oscila entre estos dos núcleos conflictivos con un vínculo emocional muy distinto”, explica Melisa Hermida, una de las protagonistas.

LA SOLEDAD

Los personajes acuden a una oficina en la que no hacen nada en concreto. El ascensor no funciona, la luz empieza a titilar… Pero ellos siguen yendo. ¿Tienen algo mejor que hacer? Viven en una gran ciudad y están muy solos. “Tienen una enorme necesidad y energía puesta en amar pero lamentablemente no tienen a quién, no tienen objeto de amor”, dice Tolcachir.  

Porque ellos “no tienen ninguna razón para levantarse por la mañana. No están deprimidos, tienen muy claro lo  que quieren, saben cuál es su dolor y se pasan la obra –la vida- haciendo todo lo posible por alcanzar el objeto del amor. Pero como son mentirosos con su verdadero ser porque sienten vergüenza, esta búsqueda les sale mal”.

El objetivo, en última instancia es como explica Tolcachir, “tratar de generar la mayor contradicción posible con personajes lo más humanos posibles. Que no los podamos catalogar ni de buenos ni de malos ni de tontos; sino que siempre tengan algún rasgo en el cual nos podamos identificar o sintamos que hubiera algo más, algo un poco más complejo que lo que sucede a primera instancia”. Y por supuesto, al final de la obra los personajes no aprenden nada y seguirán toda su vida intentando ser felices…

Del 5 al 29 de Noviembre.

Teatro Español

 

 

 

Jamlet (con J)

JOSHEAN MAULEÓN, CLOWN DEL CIRQUE DU SOLEIL, DIRIGE ESTE MONTAJE QUE LA COMPAÑÍA ARAGONESA TITANIA SUBE AL ESCENARIO DEL TEATRO CASA DE VACAS. LA VOLUNTAD ES ASOMARSE A ESTE CLÁSICO DE SHAKESPEARE, INDIGAR Y JUGAR CON ÉL A TRAVÉS DE UNA NARIZ ROJA. UN JAMLET (CON J) PARA TODOS LOS PÚBLICOS. Por Aida Martí

 

Jamlet debe cumplir la venganza que le encomienda el fantasma de su padre: matar a su asesino. Un clásico universal de sobra conocido. Pero este Jamlet, no es príncipe de Dinamarca si no de Aragonia, su nombre se escribe con jota y la jota y sus acordes son los que le acompañan mientras entona el “Ser o no ser”. “Contamos la historia escrita por Shakespeare pero desde nuestra perspectiva y creemos que la mejor manera de expresar lo universal es a través de lo personal y cercano. Somos una compañía aragonesa y por eso Aragón está tan presente”, explica Rosa V. Sáez, autora del texto y fundadora de la compañía junto con Ana L. Pardo. 

Una versión libre y novedosa en la que el elemento más innovador es que todos los personajes de esta tragedia llevan una nariz roja. “El clown te permite ser osado y valiente para explorar otras perspectivas. Además ponerte una nariz te quita el ego, te hace llegar a la esencia humana. Te sirve para desnudarte ante el espectador, ante ti mismo y ante tu manera de expresarte”, asegura Joshean Mauleón, director de este montaje y payaso del Cirque du Soleil.

También la palabra lleva el sello de esta compañía. Los largos monólogos vertidos de la pluma shakesperiana quedan reducidos, modificados o convertidos en canciones para “contar la historia de forma sencilla y clara. Queremos que todos los públicos puedan entender lo que sucede encima del escenario”, revela el director. 

TITANIA, LOS CLÁSICOS Y EL CLOWN 

Esta compañía, fundada en 2001, lleva seis años poniendo en escena las obras de Shakespeare en clave de clown. “Romeo y Julita. O cuando es que no es que no” (2004-2006) y “El sueño de una noche de verano” (2006-2009). “Esta idea no fue meditada, surgió de las improvisaciones que trabajábamos. Vimos que la gente entendía muy bien las historias y eso nos animó a seguir”, dice Rosa. “Una vez estábamos en un pueblo haciendo ‘Romeo y Julita’ y un niño le dijo a Romeo “no te suicides, vete de campamento” es impresionante que un niño pequeño entienda lo que está pasando y dé una solución al problema”, añade Ana.

Desde el 5 de Noviembre.

Teatro Casa de Vacas (Parque del Retiro)

 

Spamalot. El musical. De Los Monthy Phyton.

CONTINÚA EL ÉXITO DE LA ADAPTACIÓN DE TRICICLE INSPIRADA EN LAS FAMOSAS PELÍCULAS DEL GRUPO BRITÁNICO. EL REY ARTURO Y SUS ALOCADOS CABALLEROS SE ENFRENTAN CADA NOCHE A LA AVENTURA MÁS IMPORTANTE Y DIVERTIDA DE SUS VIDAS: ENCONTRAR EL SANTO GRIAL. ¿LOGRARÁN SU OBJETIVO? Por A. Martí y M. Gómez.

 

Se apagan las luces. Un viejo y polvoriento historiador comienza a contarnos una historia conocida por todos: la de la valerosa búsqueda del Santo Grial por parte del rey Arturo y sus esforzados caballeros. Pero, ¿conocemos de verdad cómo fueron sus aventuras?

Una mezcla entre diosa celta y diva de Las Vegas despechada (llamada la Dama del Lago) les ayuda en su aventura.  Porque el rey Arturo es muy esforzado, sí, pero más bien corto de miras y los fieles  Lancelot, Robin, Galahad y Bedevere distan mucho de ser caballerosos. 

Conejos asesinos, franceses “muy franceses” que disparan vacas, patos troyanos y batallas con caballeros negros sin cabeza serán algunas de las pruebas a las que tendrán que enfrentarse en su periplo estos personajes interpretados por Jordi Bosch, Dulcinea Juárez, Víctor Ullate, Fernando Gil e Ignasi Vidal entre otros. 

EL ORIGEN DE SPAMALOT

Decir “Spamalot” no es lo mismo que decir “Camelot” (de hecho el primero es una especie de mortadela hecha con restos de mortadela) y la revisión que Tricicle hace del mito artúrico parece mucho más audaz y divertida que la que nos contaron en las clases de literatura…

El musical, original de John Du Prez y de Eric Idle (miembro originario de los Phyton), quiso llevar a Broadway la esencia de películas como “Los caballeros de la mesa cuadrada”, “La vida de Brian” o “El sentido de la vida”. Fue todo un éxito en Estados Unidos y  también lo está siendo en España.

Tricicle ha adaptado la puesta en escena original a la idiosincrasia española. Como cuenta Paco Mir, uno de los integrantes de Tricicle, “las parodias son muestras de ingenio con un referente claro. En el caso de este musical, hemos hecho más hincapié en la parodia de “un espectáculo” que en la parodia concreta de musicales como “El Fantasma de la Ópera”, por ejemplo”. 

DE BROADWAY A LA GRAN VÍA

Originales participaciones como la del Gran Wyoming y nuevos gags se mezclan con parodias sobre los judíos en Broadway y peleas entre finlandeses al son de la danza del Pez Bofetón.

Más de ochenta personas logran que cada día el Lope de Vega pueda subir el telón. Mir nos explica que, “sin ser una franquicia, la escenografía está basada en la original de Broadway. Es muy versátil ya que tiene que reflejar con veracidad unos quince espacios diferentes”.

Sea entendida como una parodia artúrica, un homenaje cinematográfico o simplemente un divertido espectáculo… “Always look at the brigh side of life”.  La sonrisa está asegurada. 

TEATRO LOPE DE VEGA

 

La italiana en Argel. De Gioachino Rossini

ESTA ÓPERA COMPUESTA PORO GIOACHINO ROSSINI CON LIBRETO DE ANGELO ANELLI SE ESTRENÓ EN EL TEATRO SAN BENEDETTO DE VENECIA EN 1813 COSECHANDO UN ÉXITO APOTEÓSICO. EL TEXTO BEBE DE LA IMPROVISACIÓN Y LOS PERSONAJES BUFOS DE LA COMEDIA DEL ARTE, DE MOLIÈRE Y DEL ROMANTICISMO. SU GENIALIDAD RESIDE EN “ESE HUMOR LÚCIDO E INTELIGENTE QUE DA COMO RESULTADO UN CUENTO LLENO DE METÁFORAS”, AFIRMA JOAN FONT, DIRECTOR DE ESCENA. Por M. Sinibaldi.

 

ORIENTE Y OCCIDENTE

Una playa de Argel. A lo lejos se ven los restos de un naufragio. Isabella, víctima del desastre, ha venido desde Italia para buscar a su amado, Lindoro, que ha sido convertido en el esclavo de Mustafá, el bey de la capital argelina. “Esta ópera trata dos temas fundamentales: la relación entre culturas, entre Oriente y Occidente, y la confrontación entre sexos, entre lo masculino y lo femenino”, explica Joan Font, director de escena. Mientras en palacio, Mustafá reniega de su esposa y ordena a Lindoro que se case con ella si quiere volver a Italia. El bey quiere a Isabella para su harén… “La mujer que Rossini retrata en esta obra es la que sabe sacar sus armas de seducción para conseguir lo que quiere y los hombres caen rendidos a sus encantos.  Es una obra muy feminista en ese sentido y cargada de gran sexualidad y sensualidad más que de amor”, analiza Font. 

Y así es como en tan sólo 24 horas Isabella logra su propósito y huye con su enamorado Lindoro hacía Italia, eso sí, transformados. “Los italianos se marchan vestidos de árabes y Mustafá se queda vestido de ita-liano. Hay un intercambio de roles que hace hincapié en esa mezcla que se produce cuando hay contacto entre dos culturas”, dice Font. 

Musicalmente esta ópera está considerada como la obra de madurez de Rossini. Cuenta con una música peculiar que el autor compuso con tan sólo 21 años y de una sola vez. “Es una partitura que se caracteriza por la espontaneidad y la frescura, despreocupada de los refinamientos y que va a lo directo”, explica Jesús López Cobos, director musical. Y añade “con ella Rossini encuentra un estilo propio y personal que ningún otro autor se atrevió a imitar marcado por la gran abundancia de ritmos y una orquestación fabulosa”. 

OMNIPRESENCIA DEL MAR  

La historia se produce en un espacio vacío que se va llenando de objetos. Una playa inmensa con un embarcadero en el fondo. “El mar tiene gran importancia, es un elemento omnipresente que sirve de puerta de entrada y salida, como camino que une a los pueblos”, concluye Font.

Del 1 al 18 de Noviembre

TEATRO REAL