UN LECTOR EDITORIAL –Helio Pedregal– acaba de ser despedido. Disconforme con la decisión, se presenta en casa del Director –Eleazar Ortiz– para conocer de primera mano el motivo. De repente, aparece un tercer personaje, un Ilustrador –Daniel Muriel– encargado de hacer las cubiertas para los libros… 

LA EDICIÓN A DEBATE

“La mecedora”, la obra de Jean-Claude Brisville que dirige Flotats, reúne a tres personajes que viven en el mundo de la edición. El eje del texto queda planteado desde el principio: la incomunicación de los personajes y la situación de los grandes grupos industriales, que priman el abaratamiento de costes sobre cualquier otra consideración. El resultado: productos cada vez más baratos, sí, aunque ello conlleve que estén peor elaborados y no tengan el menor control de calidad.

Así, el Lector ha sido sacrificado por una casi nueva religión social: el mercado y sus demandas y, con ellos, ese abaratamiento de costes y ese desprecio por la calidad del mundo empresarial. Algo que lleva a un nuevo drama: el del paro, agravado por una edad ya avanzada que le hace, si cabe, más difícil encontrar un nuevo trabajo.

De este modo, se oponen el Director, que no ha leído un solo libro de los que publica, y el Lector, que emite sus informes en función de la calidad o la belleza de los libros. Lo mismo ocurre con el Ilustrador, que ve negado el valor de su trabajo.

Pero entre líneas se puede leer mucho más, por ejemplo, la sutil relación humana, hecha de encuentros o desencuentros, que ata a los tres personajes magistralmente dibujados por el autor francés.

DIRIGE: JOSEP MARIA FLOTATS…

Formado en el Théâtre Nacional de Estrasburgo, el más afrancesado de nuestros hombres de teatro y uno de los más grandes de la escena española, Josep Maria Flotats, vuelve a apostar por un autor francés. No en vano, es un gran conocedor del país vecino, donde ha desarrollado gran parte de su trabajo y donde fue Societaire de la Comédie Française. Premio Nacional de Teatro, fundador y ex director del Teatre Nacional de Catalunya, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Oficial de la Legión de Honor de la República Francesa, lleva décadas haciendo teatro, éxito tras éxito. Entre sus últimos trabajos, “Beaumarchais” y “Encuentro entre Descartes y Pascal Joven”.

JEAN-CLAUDE BRISVILLE

Dramaturgo francés, hizo carrera literaria en el mundo de la edición. Quizás por eso consiguió un gran éxito a principios de los 80 con “La Fauteuil à bascule (La mecedora)”, obra en la que desvelaba los entresijos de este mundillo. Iniciado en el teatro con el texto “Saint-Just”, es autor de títulos como “L’Entretien de M. Descartes avec M. Pascal le Jeune”, “Le Souper”, “L’Antichambre” o el guión cinematográfico “Beaumarchais l’insolent”, entre otras muchas. Además, como adaptador teatral, ha firmado la versión francesa de “Las amistades peligrosas” de Christopher Hampton, así como obras narrativas, ensayos y libros de memorias y recuerdos.

UNA VENTANA ES golpeada por el viento. Se oyen el ruido del mar, los aullidos de los lobos, los gritos de los locos, los silbatos de los carceleros, las alas del vampiro… Drácula se hace presente… 

EL PÚBLICO: OTRA VÍCTIMA

“Esta versión trata de conseguir que el espectador se sienta parte de la historia, que la luz, el sonido, los efectos especiales y la interpretación de los actores hagan volar su imaginación y se encuentre en un sanatorio perdido, junto a un acantilado, en Purley, un pueblecito pequeño de la costa británica, donde el Conde Drácula ha desem-barcado sus ataúdes y su horror…”, nos cuenta Jorge de Juan, director junto a Eduardo Bazo de este espectacular montaje.

Mina, la hija del Doctor Seward, está enferma y tiene pesadillas con un horrendo ser de ojos rojos y con lobos y murciélagos. Su amiga Lucy, hija del amigo de su padre, el Profesor Van Helsing, ha muerto en extrañas circunstancias. Aunque el novio de la joven, Jonathan Harker, está dispuesto a todo para salvarla, sólo Van Helsing será capaz de descubrir el terrible secreto que esconde un conde rumano que visita a la familia Seward: el Conde Drácula.

Aunque la historia es la clásica escrita por Bram Stoker, la versión que protagonizan ahora Emilio Gutiérrez Caba, Ramón Langa, Martiño Rivas, María Ruiz, Amparo Climent, César Sánchez y Mario Zorrilla no sigue totalmente el texto del autor, aún así es fiel a su espíritu terrorífico tal como nos adelanta De Juan: “’No le dejes entrar’, es como termina Van Helsing la función. Si le dejas entrar estás perdido. Es como la vida, hay que oler al mal y apartarse de él”.

Así que ya lo saben, van a pasar miedo, van a llegar a oler al vampiro y van a irse con ese miedo a casa. Es teatro, sí, pero hará que gire la cabeza antes de cerrar la puerta de su casa y cierre la ventana… por si acaso.

DRÁCULA VERSIÓN YUNKE

Muchas son las versiones que se han hecho de este aterrador texto, tanto sobre las tablas –desde Bela Lugosy hasta Frank Langela– como en el cine y la televisión –con directores como Francis Ford Coppola, Orson Wells o las más recientes y libres adaptaciones como “True Blood” y “Crepúsculo”–, pero ninguna, hasta ahora, cuenta con la colaboración de uno de los grandes magos del mundo, Yunke –Premio mundial de grandes ilusiones, obtuvo el llamado Óscar de la magia o el Mandrakes d’Or, entre otros muchos galardones–. De su mano, Drácula aparece y desaparece misteriosamente o Mina levita. La imaginación del espectador hace el resto.

“TODOS

REPRESENTANTES seremos

de nuestras propias acciones

pues al fin la vida es eso

breve comedia en que somos

figuras de carne y hueso

apenas nos dan la entrada

y ya desaparecemos”.

Así habla el mago Lisipo. Palabras con las que define, quizás sin querer o quizás no –ya saben, en esta vida todo es verdad y todo mentira– el espíritu de esta obra. Palabras con las que se queda Carmen del Valle, una de las actrices que da vida a este desconocido texto de Calderón que a partir de enero redescubre la Compañía Nacional de Teatro Clásico con Ernesto Caballero como anfitrión-director.

¿APARIENCIA O REALIDAD?

Un texto que habla, según Ramón Barea, otro de los actores de este espectacular elenco, sobre “lo equívoco de la verdad y la mentira, pero también sobre el poder, el error, la paternidad, el amor… y, sobre todo, de la victoria en la renuncia”. En el fondo, “del juego de las apariencias, de que no hay certezas, que todos formamos parte de un gran teatro que es la vida”, apostilla Carmen, a lo que añade: “hay una clara intención de enseñar cómo se debe gobernar un Estado”.

EL ESPEJO DEL TEATRO

Un sucesor al trono ha sido encontrado en estado salvaje, pero viene acompañado del hijo del máximo enemigo del emperador, el enemigo al que derrotó y usurpó el trono. Focas es ese padre atormentado que debe resolver el enigma que le angustia: averiguar cuál de los dos es su hijo o matar a ambos.

La obra, una joya de nuestro teatro clásico, no es unívoca, sino un constante juego de espejos que plantea preguntas que aún se le plantean al hombre de hoy. “Un espectáculo de pura sinestesia, donde el cuerpo se hace música, la música se hace personaje, la palabra se hace imagen, la imagen se hace texto, un espectáculo de teatro total”, dice el director.

Pero no todo ha sido fácil en el camino, tal y como nos desvela Caballero: “es un teatro que está construido con otros parámetros, no hay esas motivaciones psicológicas al uso, es un teatro profunda-mente teatral, simbólico, muy de texto y hay que hacer un esfuerzo para encontrar la verosimilitud, la frescura y para hacerlo vivo”.

Aún así todos coinciden en que esta obra es un diamante al que hay que quitar el polvo y del que Barea, nuevo en esto del teatro de verso y que dice estar viviendo todo con asombro, destaca “cómo está construída, cómo metafóricamente juega y esgrime temas muy complejos teatral-mente, filosóficamente, y cómo de una manera muy contemporánea somete a los personajes al juicio de los espectadores. Me gusta mucho el juego de teatro dentro del teatro. Ese juego que dice: esta realidad no existe, pero sirve para explicarnos o cuestionarnos la otra ‘realidad’”.

Ernesto Caballero ha reunido sobre las tablas a un equipo entregado y que cree como nadie en este “fascinante viaje en el que se confunden realidad y fantasía”, en parabras de Carmen del Valle. Un equipo del que, además de Ramón y Carmen, forman parte Jesús Barranco, Iñaki Rikarte, Jorge Machín, Paco Ochoa, Jorge Basanta, Karina Garantivá, José Luis Esteban, Carles Moreu, Miranda Gas, Sandra Arpa, Diana Bernedo, Marta Aledo, Georgina de Yebra, Borja Luna y Paco Déniz y los músicos Sergey Saprichev (percusión) y Javier Coble (piano).      

CALDERÓN, UN ESCRITOR DE PALACIO

Este texto que responde a las exigencias del teatro cortesano fue estrenado el domingo de Carnaval de 1659 en el Salón Dorado del Alcázar de Madrid ante los reyes Felipe IV y Mariana de Austria. Como todo un maestro, Calderón es fiel a esa premisa en la que se esperaba que el teatro cortesano tuviera una función educativa, que fuera una especie de muestra de conductas ejemplares de las que tanto los propios reyes como la Corte pudieran extraer enseñanzas provechosas para el gobierno del reino. La obra funcionaba así, en palabras de Fernando Doménech, asesor literario de este montaje, como “un emblema del buen y del mal gobierno, que Calderón, como un nuevo mago Lisipo, pone frente a sus augustos espectadores para que tomen las advertencias que su razón les indique”.

BEN Y GUS son dos asesinos a sueldo encerrados en la habitación de un sótano a la espera de las órdenes de la organización para la que trabajan. De repente comienzan a recibir absurdos encargos de comidas a través de un montacargas. 

UNA TRAMA CASI POLICIACA

“Animalario podría pertenecer al teatro y la manera de entender el mundo de Pinter”, dice Guillermo Toledo. Y es que la compañía apuesta en su nuevo espectáculo por un texto del Nobel en el que lo cotidiano se vuelve siniestro. En este texto dirigido por Andrés Lima los protagonistas, interpretados por Alberto San Juan y Guillermo Toledo, deben realizar alguna oscura misión que no deben cuestionar… Por eso, San Juan, que también firma la traducción y la adaptación, nos cuenta que la obra “retrata con mucho sentido del humor uno de los aspectos que carateriza nuestra convivencia social: la obediencia y la sumisión”, a lo que Toledo añade: “la comedia es un instrumento muy poderoso e incisivo a la hora de contar un drama personal y llegar con mucha más contundencia a la conciencia del espectador”.

Dos hombres encerrados a los que une un mismo sentimiento, como dice Alberto San Juan, “ambos sienten que sobre ellos existe una amenaza poco clara, pero muy peligrosa y tratan de sobrevivir sin saber si el otro es la salvación o la condena”.

Una comedia amenazadora en la que el director ha pretendido que el público se vea en el mismo dilema que los personajes: “obedecer a esa especie de ser que manda mensajes absurdos o rebelarme, matar a mi hermano o ayudarle a desertar”. Para Lima “la simple anécdota de la función lleva a toda una metáfora casi metafísica del ser humano y su espera”.

PINTER Y LAS HABITACIONES

“La habitación en la que están encerrados Gus y Ben representa el mundo hostil y ultraviolento que hemos ido construyendo a lo largo de los siglos”, afirma Guillermo Toledo. Y es que Pinter, cual voyeur desapasionado, observa lo que le ocurre a la gente y lo hace utilizando como imagen central una habitación que pronto se convierte casi en una metáfora de la matriz, un lugar donde sentirse a salvo. De hecho, algunos de sus grandes dramas –“The Room”, “The birthday party”, “The caretaker” o este “The dumb waiter”– nacieron de este modo: observando qué sucedería con dos personas en una habitación. Algo así como un gran hermano minimalista.

UN AÑO DESPUÉS DE SU ESTRENO EN SANTANDER Y TRAS GIRAR CON ÉXITO POR TODA ESPAÑA RECALA EN LA CAPITAL ESTE CLÁSICO CONTEMPORÁNEO CUYA DIRECCIÓN FIRMA JUAN CARLOS PÉREZ DE LA FUENTE EN UNA VERSIÓN DEL POETA LUIS ALBERTO DE CUENCA Y SU ESPOSA, ALICIA PÉREZ MARIÑO. LUISA MARTÍN ENCABEZA UN REPARTO COMPUESTO POR DIEZ ACTORES QUE REFLEXIONAN SOBRE EL TIEMPO: EL DEVORADOR DE NUESTRAS VIDAS. EN LOS TEATROS DEL CANAL DESDE EL 18 DE ENERO

HACE MÁS DE TREINTA años un joven Juan Carlos Pérez de la Fuente se enfrentaba por primera vez a “El tiempo y los Conway”. “Era un crío. Existía la librería de teatro La avispa, en la calle San Mateo. Actualmente es una peluquería unisex. Esto habla del paso del tiempo, algunas veces es demoledor, sobre todo con la cultura”.

Julia, la dependienta, le guardaba todos aquellos textos que creía que él tenía que leer. Y así, este estudiante de Arte Dramático decidió que algún día la dirigiría.

Dice que a medida que ha ido cumpliendo años, “ya tengo 52”, se ha dado cuenta de que “esto de la vida va de hacer realidad los sueños”. Así que ese día ha llegado, concretamente llegó hace un año, cuando estrenó su Priestley en Santander. “De lo que habla la obra, lo que allí se cuece es para un tiempo de crisis. Pensé que el momento exacto para hacer esta obra era este momento de confusión”.

EL TIEMPO ES ESCURRIDIZO

Acaba de terminar la I Guerra Mundial. Nos adentramos por el ojo de la cerradura en casa de los Conway, que celebran el cumpleaños de Kay. “Vemos gente joven, llena de ilusión, de esperanzas, de sueños… quieren comerse el mundo”, nos cuenta el director. Pero, de repente, Kay se queda mirando por una ventana y piensa “¿qué será de nosotros dentro de veinte años?”.

Priestley cree que el tiempo “no es lineal, que todo sucede a la vez, que pasado, presente y futuro no es más que un suspiro”, explica Pérez de la Fuente. Por eso, en el segundo acto el mundo está a las puertas de la II Guerra Mundial. Esos 18 años transcurridos han producido un desgaste en las relaciones familiares y una erosión profunda en ellos, son las heridas que el tiempo ha infringido a los Conway.

Pero ese mismo tiempo vuelve a suspirar y el espectador asiste atónito en el tercer acto, que vuelve al primero, al devenir de cada uno de los miembros de la familia cuando ya conoce el final de unos personajes interpretados por Luisa Martín, Nuria Gallardo, Alejandro Tous, Juan Díaz, Chusa Barbero, Débora Izaguirre, Ruth Salas, Alba Alonso, Román Sánchez Gregory y Toni Martínez.

EL ESPEJO DEL TEATRO

“Es una historia de una familia, pero lo grandioso de esta obra es que a través de esos diez personajes nos identificamos todos y en este tiempo además de tanta angustia, de crisis, donde no sabemos hacia dónde vamos, nos aparece la palabra de Priestley de una manera rotunda y hablándonos de la responsabilidad que cada ser humano tenemos en el futuro de nuestra vida”, afirma el director.

Con el precedente de “La herida del tiempo” de Luis Escobar y el ya “El tiempo y los Conway” de Mario Gas en la memoria, Pérez de la Fuente aún se hace una última pregunta a tenor de este texto: “¿de verdad puede encontrar uno la felicidad en esta vida?”, y él mismo responde: “Creo que sí, pero, a veces, hay que recurrir al teatro para que nos haga de espejo y nos diga ‘mira, ¿ves lo que les pasa a estos personajes?, aplícatelo”.

DIFERENCIAS HISTÓRICAS, BANDOS ANTAGÓNICOS, LA BELLEZA Y LA FEALDAD, EL ARTISTA Y SU MISIÓN Y EL DESEO VERDADERO. LLEGADOS DIRECTAMENTE DESDE ARGENTINA, LEONOR MANSO, CARLOS BELLOSO Y GUILLERMO BERTHOLD, CAPITANEADOS POR LUCIANO CÁCERES, ATERRIZAN EN EL FERNÁN GÓMEZ CON ESTE TEXTO DE GONZALO DEMARÍA

“EN LA CATEDRAL de Buenos Aires en 1871 encontramos una Canonesa –Leonor Manso–, mujer-puta del monseñor, y un pintor –Carlos Belloso–, recién vuelto de su exilio en España. Él tiene el encargo de pintar una Santa Lucía y ella está al cuidado de que eso ocurra. Afuera la peste, la fiebre amarilla, cadáveres crepitando en las esquinas, centenares de muertos diariamente. Él no puede pintar, no tiene modelo; es tanto el horror y la fealdad que no hay estímulo. Ella quiere ser esa modelo, ella es fea. Él necesita aire y encuentra un modelo verdaderamente inspirador, decide que no va a pintar a Santa Lucía, sino un San Sebastián auténtico –Guillermo Berthold–”. Así nos relata el director, Luciano Cáceres, la historia que viene a contarnos “El cordero de ojos azules”, una obra que es “muy generosa y que pinta muy bien los dos modelos que son el gen de nuestra argentinidad. Mezcla de razas, religiones y bandos políticamente opuestos. Y, sobre todo, habla de la necesidad de algunos de perpetuarse en el tiempo”.

UN PASADO RECONOCIBLE

Leonor Manso, para quien “trabajar con Carlos y con Guillermo es un placer, compañeros generosos y muy talentosos”, se interesó por este proyecto porque “habla del pasado que nos constituye, reconocible en el hoy” y presenta una situación que “es conocida en la historia de casi todos los pueblos: enfrentamientos entre hermanos por razones políticas, odio, salvajismo, discriminación, resentimiento, el tema de la búsqueda de la belleza que lleva a la locura y muchas cosas más referidas a lo humano universal”.

Ya estrenada en Argentina el pasado verano, donde fue “muy bien recibida por el público y la crítica”, “El cordero de ojos azules” es “una obra muy teatral, es decir, con personajes potentes y situaciones límite que la convierten en un espectáculo muy entretenido y emocionante”, asegura Manso, una de las grandes, quien considera que “actuar es sentirme libre y, cuando mi trabajo llega al público, es sentirme útil”.

Un montaje en el que la peste también es protagonista: “Gerardo Gardelin fue el músico que construyó todo ese plano sonoro, cargado de peste, que no vemos pero sentimos. Desde lo visual, la escenografía se incrusta en el espectador, sale del escenario”, nos desvela Luciano Cáceres.

LA COMPAÑÍA

En 2007 la actriz Leonor Manso y el director Luciano Cáceres trajeron a España la exitosa “Psicosis 4:48”, de Sara Kane, que fue representada en Argentina con una gran acogida de público y diversos premios. En España se estrenó en el Fernán Gómez para posteriormente realizar su gira por diferentes ciudades, destacando Bibao, Valladolid, Las Palmas y Santander, entre otras. En este momento, la compañía trabaja con “El cordero de ojos azules”, estrenada en el Teatro Regio del Complejo Teatral de Buenos Aires el pasado 19 de agosto continuando aún en cartel. La obra a su vez participó el pasado 17 de septiembre en el XXXIII Festival Internacional de Teatro de Manizales Colombia.

DICE SANTIAGO SÁNCHEZ QUE “CHÉJOV ES UN MAESTRO RETRATANDO LOS SENTIMIENTOS Y LAS EMOCIONES HUMANAS, NOS AYUDA A COMPRENDER MEJOR EL MUNDO, NUESTRAS DEBILIDADES, NUESTROS SUEÑOS, NUESTRAS CARENCIAS”. QUIZÁ POR TODO ESTO SE LLEVA TANTO A ESCENA, QUIZÁ POR ELLO MISMO TIENE RAZÓN DE SER EN CUALQUIER LUGAR, EN CUALQUIER MOMENTO. AHORA EN LOS TEATROS DEL CANAL

UNA CASA DE CAMPO en Rusia. Cuatro hombres y cuatro mujeres en plena madurez, llenos de deseos y pasiones cruzadas, toman conciencia de que el destino de sus vidas comienza a escapárseles. Quizás pudieran soñar con otras formas de vivir más felices, quizás deban decidir, simplemente, entre negar la realidad o tener el valor de afrontarla…

“Tío Vania” es, según nos cuenta su director, Santiago Sánchez, “una de esas obras inmortales del gran teatro universal, puesta en escena con el sello de una compañía como L’Om Imprebís a la que le gusta cuidar los detalles de producción, con un reparto y un equipo de creativos que llevan más de quince años trabajando juntos”.

Sobre el escenario, actores de la talla de Sandro Cordero, Vicente Cuesta, Paca Ojea, Carles Castillo, Carles Montoliu, Xus Romero y Carmen Arévalo sumando un nombre propio de nuestro cine y teatro, Rosana Pastor, en un proyecto que surge porque “en la actualidad, igual que les ocurre a los personajes de Chejov, estamos viviendo el fin de una época, mucha gente siente que ha malgastado su vida, hay un cierto desencanto y la toma de conciencia de que ante ello uno puede resignarse o reaccionar. ‘Tío Vania’ plantea la metáfora de que resignarse es aceptar que la vida pase sobre ti como una apisonadora y confío en que la visión de la obra incite al espectador a reaccionar”, comenta el director.

UN CUIDADO MONTAJE

Dino Ibáñez ha creado “un espacio conceptual que nos traslada a Rusia y al universo de Chéjov con un tratamiento simple y efectivo de la madera tallada y un fondo trabajado por el maestro de la pintura Jordi Castells. Elena S. Canales firma un vestuario del siglo XIX realizado en exclusiva por los talleres Cornejo. A ello se suma el trabajo de luces de Rafael Mojas y la música en directo de Víctor Lucas”, desvela Sánchez.

Por su parte, Rosana Pastor, ganadora de un Goya por “Tierra y Libertad”, y dos veces nominada por “Juana la Loca” y “La conjura de El Escorial”, interpreta a la enigmática y sensual Helena. Afirma que se encuentra “muy a gusto y muy cómoda con el trabajo que ha planteado el director” porque, además, “en la compañía hay una calidad humana muy especial”. La actriz, que había deseado hacer Chéjov desde que estudiaba Arte Dramático, ahora asegura que el trabajar con esta compañía es “una sorpresa añadida al gusto de encontrarme haciendo ‘Tio Vania’”, una obra que “respetará toda la poesía, toda la vida, toda la tristeza, toda la alegría y toda la risa que hay en Chéjov”. Será un placer verla.

Nació así este homenaje: primero, el exitoso “Reugenio. Con todos mis respetos” y, ahora, su continuación, este “Hablamos” en el que se recuperan chistes míticos “y se interpretan otros que Eugenio no llegó a contar y que guardo en libretas suyas”, dice Jofra, productor del espectáculo.

HAY EUGENIO PARA LARGO

Ese es precisamente uno de los alicientes de “Hablamos”, que el público va a descubrir nuevas historias: “Hay muchas libretas y yo tengo dvd’s y algún disco totalmente inédito”, confiesa.

Lleno de sorpresas, el espectáculo culmina con un diálogo virtual entre el cómico Reugenio y el genial humorista Eugenio, al que se ha traído del más allá en un mano a mano, un auténtico duelo en el que “uno se mete con el otro y, claro, el jefe siempre es el jefe”, nos cuenta entre risas su hijo y añade: “lo quiero recordar al máximo, que los que lo vieron en su momento lo puedan recordar y los que no, puedan ver lo que Eugenio hacía encima del escenario”.

Y lo que Eugenio hacía encima del escenario, con esa voz nasal y ese atuendo lúgubre, no era otra cosa que ser él mismo. Tanto es así que quien bien lo conoció nos dice que su éxito radicaba en que “no había mucha diferencia entre el Eugenio de encima del escenario al que estaba sentado conmigo en el sofá”. Un humor inteligente y una autenticidad que supo convertir en risas a través de la seriedad que le caracterizaba.

“El espectáculo termina con chistes a la carta. Cada función acaba de una forma totalmente diferente porque durante los últimos quince o veinte minutos es el público el que decide los chistes que quiere que cuente Reugenio”. Así que ya saben, vayan pensando cuál es el suyo…

EUGENIO, UN MITO DE NUESTRO HUMOR

“Saben aquel que diu…
- Oiga, ¿este balneario es bueno para el reuma?
i el otro diu…
- ¿Que si es bueno? Hombre… aquí lo cogí yo…”.

Les suena, ¿verdad? Tiene el sello personal e intransferible de uno de los grandes del humor de nuestro país. Eugeni Jofra Bafalluy, más conocido como Eugenio, nació en Barcelona en 1941. Joyero de profesión, comenzó su camino artístico a la guitarra formando el dúo musical ‘Els Dos’ junto a su esposa, Conchita Alcaide Rodríguez. En esa época y entre amigos, era Eugenio quien contaba algún que otro chiste hasta que un día un empresario llamado Amadeu le propone trasladarlo a los escenarios y hacerlo a diario durante las actuaciones que tenía el dúo. Y ahí empezó todo, ahí comenzó a forjarse toda una leyenda y un referente del humor a nivel nacional que continúa siéndolo hasta la fecha. Porque, aunque hace ya una década que el humorista falleció, nos dejó su mejor legado: la risa.

“PERSEGUIDOS O EXPULSADOS POR CAUSAS QUE SON MUY ACTUALES HOY EN DÍA”

LLEGA AL SANPOL la conocida historia de los Hermanos Grimm convertida en una tierna y divertida comedia musical de la mano de la experimentada y siempre genial compañía Bicicleta del Teatro Sanpol. En ella vamos a enamorarnos de “cuatro animalitos que, de una u otra forma, son maltratados, tanto por la sociedad como por sus amos o compañeros del lugar donde viven y que deciden ir en busca de la ciudad de sus sueños, donde ellos piensan que todo se va a arreglar y podrán ser quienes quieren ser, podrán hacer lo que quieren hacer y podrán ser felices por fin”, comenta Ana Mª Boudeguer. Y es que, “cuando los Hermanos Grimm escribieron la historia, la ciudad de Bremen era una de las ciudades más famosas de Europa, aún siendo pequeña, porque era muy liberal. Allí llegaban muchísimos extranjeros, artistas que en otras partes sufrían algún tipo de persecución y eran muy bien acogidos”.

Como todas las obras del Teatro Sanpol, ésta cuenta con una escenografía sorprendente de Gueorgui Dimov, quien “ha hecho algo precioso, colorido, jugando mucho con el abstracto y con los colores”, asegura Boudeguer. Y, continúa, “contamos igualmente con un vestuario muy divertido. Llaman la atención también las proyecciones, algo con lo que estamos trabajando desde hace varios espectáculos, y la iluminación de Nicolás Fischtel, que reaviva todas las aventuras de estos animalitos en su trayecto a Bremen”.

UN CLÁSICO DE HOY

Números musicales y coreográficos de gran belleza con un elenco de reconocida calidad:  Juan Molano –Jijó el Burro (contrabajo)–, Felipe Ansola –Kikirikó el Gallito (piano)–, Bélen González –Renata la Gata (guitarra)–, Víctor Benedé –Pillín el Perro (bateria)– y  Óscar Martínez Gil –Patapalo el Ladrón–. Un espectáculo para los más pequeños que no tiene otro secreto que el de “entretener y ser divertido” además de contar con “una historia que les llegue, que los conmueva y que los haga pensar”, concluye Boudeguer.

UN PRESUNTO IMPLICADO EN LOS MÚSICOS DE BREMEN

Nacho Mañó, conocido y querido integrante de “Presuntos Implicados” es el artífice de la música creada para este espectáculo llevando la batuta de la dirección musical: “La idea de que ‘Los músicos de Bremen’ fuese para niños me gustaba mucho”. En cuanto a los personajes, “el Burro tiene un tipo de música que puede recordar al gospel, por así decirlo, pero muy básico, el Perro es un rapero, Kikirikó es un gallo que canta soul, una especie de rhythm and blues y la Gata canta blues. Veremos distintos estilos, casi todos de música negra pero muy estereotipado para niños de 6 a 10 años de una forma muy didáctica, pero también divertida”. El concepto musical de la obra ha sido “creado entre Ana Mª, Julio y yo. Una experiencia muy divertida donde alguno de los músicos –actores– ha tenido que aprender a tocar un instrumento. Una experiencia diferente, creativa e inspiradora”.

UN AÑO MÁS EL TEATRO CIRCO PRICE NOS OFRECE LA EXCUSA PERFECTA PARA CELEBRAR LA NAVIDAD EN FAMILIA. EN ESTA EDICIÓN SE VISTE DE GALA PARA HACERNOS DISFRUTAR DE PURO CIRCO CON LOS ARTISTAS MÁS RENOMBRADOS EN LAS PISTAS DE TODO EL MUNDO Y, CÓMO NO, LA MÚSICA EN DIRECTO DE LA ORQUESTA DEL PRICE. TODO UN LUJO

VUELVE EL PRICE para deslumbrarnos con su encanto y deleitarnos con su buen hacer. Vuelve en la hora mágica, en el momento justo, vuelve en Navidad. Un espectáculo que ya es una tradición aunque, “cada año es diferente. La dirección artística siempre cambia y eso ya condiciona mucho. En cuanto a los números, independientemente de que ningún artista repita intentamos que tampoco se repitan las disciplinas de un año a otro”, asegura Manuel González, director ejecutivo, quien también nos cuenta que este año veremos “mucho circo, mezclado con teatro, con música y todo ello de la mano de un clown desconocido para el gran público y que estoy seguro de que será la gran revelación, Leandre Ribera”.

PARA DISFRUTAR EN FAMILIA

Quien piense que el circo es sólo para niños se equivoca, aunque siempre están presentes: “El éxito de la Navidad en el Price radica en que es un espectáculo de gran calidad, que nunca se olvida de que el público en esta época del año es mayoritariamente familiar”, asegura González.

Y continúa, “la música y la escenografía  nos diferencian de las otras propuestas navideñas. El Price se transforma en una sala mágica y acogedora con propuestas estéticas diferentes cada año. En cuanto a la música, contamos con la Orquesta del Price, que el año pasado fue incluída por nuestros espectadores en una encuesta como uno de los tres mejores números del espectáculo”.

ESPECTÁCULO INTERNACIONAL

Para este espectáculo navideño aterrizan en el Price compañías procedentes de Rusia, Japón, Cuba, Portugal, Canadá y China, además de las nacionales. Pero, ¿cómo se escogen las compañías que llenarán el teatro de ilusión? “Prima la calidad a la hora de elegir a un artista, sobre todo en Navidad. No tenemos mucho tiempo de ensayos por lo que necesitamos lo que nosotros llamamos números hechos. Realizamos un trabajo previo, viajamos a muchos países en busca de estos números y, al final, siempre se produce esta mezcla de nacionalidades”.

Una mezcla de nacionalidades que brinda también la innovación que se consigue cada año con propuestas que incluyen muchas veces “elementos que nada tienen que ver con el circo, consiguiendo un éxito notable. Además, siempre contamos en nuestro equipo con profesionales de muy distintas artes que no hacen más que enriquecer el resultado final, la esencia, esencia Price”, desvela el director.

Las navidades que celebra el Price han ido ganando terreno con su esfuerzo: “El primer año, David Larible -director artístico de ‘Nix y Nox’ y ‘Vuelve al Price por Navidad’- me dijo, ‘sigue en esta línea de apuesta por la calidad y los espectadores crecerán exponencialmente’. David tenía razón, en los dos años siguientes hemos triplicado el número de espectadores hasta llegar a los 110.000”, concluye González.