Revista Teatros

Navidad musical y familiar (I)

revistateatros — Tue, 22 Dec 2009 13:30:20 +0000

NUBES

El hombre del bombín negro no puede mostrarnos la cara porque se lo impide una paloma. No, no es una paloma, es una manzana que ha aparecido tras unas nubes blancas. No, son azules porque el cielo es azul. La compañía Aracaladanza presenta su nuevo espectáculo de danza, música y objetos inspirado en el universo del pintor René Magritte. Infantil. Teatro de la Abadía. Del 9 al 30/XII.

ROMEO Y JULIETA

William Shakespeare escribe una de sus más famosas piezas teatrales en uno de los palcos del teatro. Los personajes que van apareciendo en escena se mueven y actúan guiados por el autor, hasta que Julieta se planta y pide explicaciones, porque no está de acuerdo. Un musical donde son los personajes los que acaban escribiendo su propia historia. Para todos los públicos. Teatro del Español. Desde el 23/XII.

SALVAR AL SEÑOR PÉREZ

¿Qué pasaría si a un niño se le cae su primer diente y durante esa noche no pasa por su cama el Ratón Pérez? ¡Una tragedia! Y es que el pequeño personaje está pluriempleado y muy cansado desde que los niños no paran de comer chucherías. Pero los pequeños están dispuestos a ayudarle. Infantil. Teatro Arenal.

NAVIDADES EN EL PRICE

La compañía Ale Hop celebra las Navidades con un circo actual, moderno y contemporáneo, pero creado sobre las bases clásicas del circo bien hecho, del circo como el auténtico espectáculo. Para todos los públicos. Teatro Circo Price. Desde el 6/XII.

TEATRURAS

La voz poderosa del teatro no deja a unos actores actuar. Su ayudante Recaredo intercede y el teatro reta a los actores: si los niños lo pasan bien, podrán trabajar en él. Serán los propios niños los que ayuden a los actores a conseguir la prueba, mientras Recaredo les explica los elementos que forman una obra de teatro. Infantil. Teatro Nuevo Alcalá.

EL MAGO DE OZ

El camino de baldosas amarillas que conduce a Oz pasa este año por el Teatro Príncipe. Dorothy y su perro Totó vivirán un sinfín de aventuras junto al león cobarde, al hombre de hojalata y al espantapájaros sin cerebro en su intento de regresar a casa de sus tíos, de donde les alejó un tornado. Para todos los públicos.

EN LA PUNTA DE LA LENGUA

Una madre incapaz de expresar lo que ella no logra entender decide aprender de su hijo y de ese lenguaje que ella no entiende. Una pequeña ópera para bebés capaz de descubrir los pequeños gestos. Teatro Fernán-Gómez. Desde el 19/XII.

ANDA

La compañía La Casa Incierta se adentra en el mundo del bebé, en sus primeros descubrimientos, en sus primeras sensaciones y en sus reacciones ante los estímulos de la vida y nos habla de la separación física de una madre y su bebé y de la ruptura de ese cascarón que da paso a la vida. Teatro para bebés. Teatro Fernán-Gómez.

COLORINES

Tres simpáticos personajes PUPPETS y Ana Chávarri sumergirán a los más pequeños en un mundo de color y música a la vez que aprenderán nociones de matemáticas, geometría, lenguaje o valores como el respeto a la diferencia o el valor de la amistad. Teatro musical para niños de 3 a 7 años. Teatro Amaya.

EL PATITO FEO

Al final de este cuento el Patito Feo no se convierte en cisne, sino que a través de la danza ratifica su propia personalidad y descubre su belleza. El popular cuento es adaptado por el Ballet de Carmen Roche y narra la historia al estilo musical y fusionando diferentes bailes. Para todos los públicos. Teatro Häagen-Dazs. Desde el 5/XII.

LA CAJA DE LOS JUGUETES

Entre los viejos objetos de un constructor de juguetes se vive una romántica historia de amor entre un solda-dito de madera, una muñeca de trapo y Polichi-nela, que los hijos del viejo artesano recuerdan al ir sacando los trastos de su padre. Para todos los públicos. Teatro Fernán-Gómez. Desde el 15/XII.

BANDARAP

Si metemos en una coctelera cinco músicos actores, risas y ritmo, mucha percusión, raps y Hip Hop, diversión y educación, música y teatro y un director de escena y mezclamos todo sale este espectáculo con el que se pretende acercar al público a través de la música y trres historias breves la percusión más clásica y la más moderna. Cía. Perkustra. Para todos los públicos. Teatro Fígaro-Adolfo Marsillach.

INSECTARIUM, EL CIRCO DE LOS INSECTOS

“Hola, me llamo Mc Fly y soy una mosca de la fruta. ¿Me podría indicar usted dónde estoy?” Con la naturaleza como hábitat en el que nos desenvolvemos y el circo como fuentes de inspiración nace este divertido espectáculo en el que la mosca Mc Fly, un niño y una libélula pretenden enseñar a los más pequeños de la casa el respeto por la naturaleza. Infantil. Casa de Vacas.

A CHRISTMAS CAROL

Face2Face Theatre hace una nueva adaptación del clásico cuento de Charles Dickens desde su particular visión cómica, consiguiendo un espectáculo lleno de canciones evocadoras, divertidísimos gags y magia teatral basada en el mimo y la comedia visual. Un espectáculo con el que familias angloparlantes y “pseudo-parlantes” reirán a carcajadas. Teatro en inglés. Teatro Alcázar.

PETER PAN, EL MUSICAL

Peter Pan, Wendy, el capitán Garfio, el señor y la señora Darling… y una Campanilla muy especial se dan cita sobre el escenario para rememorar con grandes y pequeños la historia del niño que no quería crecer y el maravilloso mundo de Nunca Jamás. Musical para todos los públicos. Teatro La Latina.

SONRISAS Y MAGIA

Aunque a primera vista este espectáculo del ilusionista Mag Lari parece un espectáculo de magia clásico, en realidad no lo es. Hay una aparición del mago y su ayudante, el truco del baúl de la metamorfosis que actualizan con música de los Beatles o la caja de espadas en la que se clavan paraguas. Todo ello con música de musicales, de una serie infantil antigua… Para todos los públicos. Teatro Lara.

LA LEYENDA DEL BOSQUE PERDIDO

Con la lucha entre las tribus de Akket y Okkan después de una gran tormenta en el bosque este espectacular montaje pretende acercar a los más jóvenes de la casa al concepto de la unión y de la amistad para alcanzar los objetivos en la vida y demostrar que las guerras no sirven para nada. Para todos los públicos. Teatro Nuevo Apolo.

BLANCANIEVES BOULEVARD

Bárbara Milton es la reina indiscutible de los escenarios hasta que una noche una figurante de su compañía deslumbra a la prensa. Es Bianca, una joven huérfana a la que Bárbara tratará de eliminar para que no le haga sombra. El refugio de Bianca será un tugurio de los bajos fondos, el Boulevard… Un musical para todos los públicos. Teatro Madrid.

LOS SOBRINOS DEL CAPITÁN GRANT

En el interior de un besugo aparece un mensaje de auxilio de un náufrago. El subteniente retirado Mochila y su particular expedición se embarcarán para buscarlo y vivirán mil aventuras. Una zarzuela para todos los públicos. Teatro de la Zarzuela. Desde el 4/XII.

LILIPUT CABARET

Un mundo lleno de magia y sorpresas que cuenta la divertida historia de amor entre el arrogante y aventurero presentador estrella de la televisión de Liliput y su fiel y soñadora ayudante. Ambos vivirán increíbles aventuras en el pequeño mundo de Liliput. Para todos los públicos. Teatro Alfil. Desde el 20/XII.

CUENTO DE NAVIDAD

Los tres fantasmas que ideó Charles Dickens regresan estas Navidades en busca del señor Scrooge para darle una importante lección que nos servirá a todos. Para todos los públicos. Teatro Infanta Isabel. Desde el 19/XII.

SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

Un musical lleno de magia, hadas, duendes, hermosas canciones y bonitas historias de amor le sirve a la compañía La Bicicleta de la Sanpol para transmitir a los más pequeños una de las comedias más divertidas de Shakespeare. Teatro Sanpol.

DESCUBRIENDO LA ÓPERA

Un técnico del teatro, la señora de la limpieza y una persona del público se ofrecen para entretener al respetable mientras llegan los artistas. Con ellos, los más pequeños irán descubriendo el mundo de la ópera de una manera sencilla. El recital llegará cuando aparecen los actores. Infantil. Teatro Alfil.

JUGANDO CON LA FLAUTA MÁGICA

Mozart será el anfitrión de los más pequeños en el Teatro Gran Vía estas Navidades. Con él empezarán a conocer las diferentes artes que incorpora una ópera: la partitura, los músicos, las distintas voces. Para niños a partir de 5 años.

OTROS MONTAJES

• LA ESCUELA DE MAGIA. Mago Murphy. Para todos los públicos. Teatro Gran Vía.

• EXCEPTIONS TO GRAVITY. Avner, The Eccentric. Teatro Alfil. Desde el 16/XII.

• LOS MIÉRCOLES MÁGICOS DE MADRID MMM!!! Teatro Alfil. Desde el 23/XII.

• EL GRAN CIRCO DE LAS NAVIDADES. Circo Mundial. Carpa Azul de Las Ventas.

• GRAN CIRCO MUNDIAL y CIRCO DE MOSCÚ. Carpa Blanca de La Vaguada.

• EL GATO CON BOTAS. Cía. Chiquikarpas. Infantil. Karpas.

La viuda valenciana. De Lope de Vega

revistateatros — Mon, 14 Dec 2009 09:23:36 +0000

UN LOPE DE VEGA MÁS DIVERTIDO QUE MORALISTA SE ESCONDE EN ESTE TEXTO DE FALSAS IDENTIDADES, JUEGOS DE DISFRACES, BAILES DE MÁSCARAS Y ENCUENTROS AMOROSOS QUE VICENTE GENÓVES DIRIGE PARA TEATRES DE LA GENERALITAT VALENCIANA. Por Aida Martí.

Leonarda se ha quedado viuda. Ha decidido no volverse a casar a pesar de la insistencia de su tío Lucencio y su criada Julia. Rechaza a sus tres pretendientes. “Lejos de ser un texto feminista Lope nos muestra a una mujer con determinación, que toma sus propias decisiones y asume los roles del hombre, algo que no era usual en la época”, explica Vicente Genovés, director de este montaje. Alicia Ramírez, que encarna a esta viuda valenciana, añade: “es una mujer joven, bien posicionada económicamente y muy fuerte y firme”.

MÁSCARAS Y CARNAVAL

En una de sus salidas, la viuda se enamora perdidamente de un caballero del que no conoce ni nombre ni posición. Es Camilo. Entonces, aprovechando los carnavales de Valencia, Leonarda organiza unos encuentros amorosos con el joven pidiendo como condición que ambos lleven máscara para no reconocerse. “El carnaval es fundamental para entender la acción. Ponerse un disfraz o una máscara permitía ciertas licencias en aquel momento”, asegura Genovés.

El enredo lopesco está servido y las confusiones se sucederán una detrás de otra. “Uno de los momentos más divertidos es cuando la viuda, para que no descubra su verdadera identidad, hace creer a Camilo que se está acostando con una señora muy mayor”, revela Juanjo Prats, que da vida al joven enamorado. Se dice que esta comedia de capa y espada fue escrita por Lope para demostrarle a alguna amante suya como podían verse sin ser descubiertos. Aunque su estilo está más que presente “este texto es lúdico, no pretende trasmitir ninguna enseñanza. No aparece ni la monarquía ni el honor. El autor se muestra menos moralista y más divertido”, concluye el director.

Del 12 al 27 de Diciembre

Teatro Pavón

Exceptions to gravity. Con Avner

revistateatros — Mon, 14 Dec 2009 09:16:14 +0000

MIMO, BAILARÍN, MAGO, ACRÓBATA, MALABARISTA, CUENTACUENTOS SIN PALABRAS, ACTOR, HUMORISTA CLÁSICO DE LA ESCUELA DE UNO DE LOS MÁS GRANDES RENOVADORES DE LA ESCENA TEATRAL FRANCESA, JACQUES LECOQ… PERO LA PALABRA QUE REALMENTE LE HACE JUSTICIA ES LA DE PAYASO. CON SUS PARTICULARES EXCEPCIONES A LA TEORÍA DE LA GRAVEDAD Y MÁS DE UNA SORPRESA, LLEGA A LOS ESCENARIOS MADRILEÑOS AVNER THE ECCENTRIC. Por V. Pulido.

Lejos estaba Newton de imaginar mientras pensaba sobre la naturaleza sentado bajo un manzano que cuatrocientos años después de publicar su teoría de la gravitación universal vendría alguien a contradecirle. Pero menos aún que ese alguien ¡sería un payaso!

AVNER…

Eso sí, no se trata de un payaso cualquiera, sino de Avner Eisenberg, The Eccentric, un americano que, aunque diga de sí mismo “soy viejo, calvo, gris y camino de forma graciosa”, está considerado como uno de los mejores clowns de todos los tiempos. Y eso aunque él lo niegue con un rotundo “Don’t be silly”.

No en vano, su maestro fue el gran Jacques Lecoq, con quien estudió mimo en París y del que aprendió “a estar abierto a todas las posibilidades y a ser crítico”. De otro grande, de Marcel Marceau, al que recuerda en este espectáculo cuando, sentado, contempla al público mientras el tiempo pasa, aprendió “a crear la ilusión de una forma elegante y económica”.

Avner sabe bien cuál es el mayor obstáculo de esta profesión: “ganarse la vida en una cultura donde el payaso es considerado sólo como algo para entretener a los niños en las fiestas de cumpleaños”. Un obstáculo y un consejo: “echar una siesta siempre antes de un espectáculo. ¡Ah! Y mantener la cartera en el escenario contigo”.

…Y LA GRAVEDAD

“El limpiador del escenario sale antes del espectáculo para echar un último vistazo y dar un barrido rápido y descubre los problemas que han de ser resueltos”. Así describe Avner su “Exceptions to gravity”, pero, en realidad, no es más que la disculpa que el artista ha elegido para dar rienda suelta a sus polifacéticas artes.

Y eso que de pequeño quería ser doctor. Al fin y al cabo, para mucha gente los payasos son médicos del alma. “Puede ser una herramienta terapéutica como intérprete y como público”, afirma.

Equilibrio con vasos de plástico, papel higiénico, motas de polvo, escaleras…, improvisación, malabares con bates de beisbol, un sombrero prodigioso o una merienda a base de servilletas de papel, que antes convierte en pajaritas, aviones o barquitos, con sorpresa final (el número favorito de este ‘excéntrico’ artista).

Por lo tanto, sólo nos resta añadir aquello de: ¡Pasen y vean a uno de los más grandes clowns de todos los tiempos.

Desde el 16 de Diciembre

Teatro Alfil.

Bailando en Lughnasa. De Brian Friel

revistateatros — Mon, 14 Dec 2009 09:07:11 +0000

JUAN PASTOR DIRIGE ESTA PARTICULAR OBRA DE BRIAN FRIEL QUE PARA MUCHOS EVOCA “LA CASA DE BERNARDA ALBA” DE GARCÍA LORCA PERO SIN ESA DUREZA QUE DEJA PASO A “LA TERNURA, LA CALIDEZ Y EL HUMOR”. UNA HISTORIA DE RECUERDOS, AMOR Y PÉRDIDAS A TRAVÉS DE LOS OJOS DE UN NIÑO YA ADULTO. UNA REIVINDICACIÓN DE LA IMPORTANCIA DEL PASADO EN NUESTRAS VIDAS. Por Aida Martí.

Michael ya es adulto. Pero sus recuerdos infantiles nos permiten conocer su historia. A través de su mirada de niño viajamos a un pequeño pueblo de Irlanda. Año 1936. Nos adentramos en el hogar de cinco hermanas. En una convivencia que empieza a resquebrajarse, en el desva-necimiento de los valores tradicionales, conservadores y católicos de aquella época que sufre esta familia…

“La historia se sitúa en dos planos. El presente, representado por Mi-chael que cuenta su historia directamente al público, y el pasado, escenificado detrás”, explica Juan Pastor, director del montaje, y añade “a través de esta dualidad se reivindica el pasado. Esa necesidad que tiene el ser humano de recordar su pasado como parte del presente y de lo que es, pero también de liberarse de él emocionalmente”.

A esta pérdida de valores contribuyen los últimos acontecimientos. Cris, menor de las hermanas, ha tenido un hijo siendo soltera y eso ha levantado ampollas en el entorno donde viven. Ese niño es Michael. “El estilo interpretativo no es esencialmente naturalista ya que son personajes alojados en la memoria de un niño. Lo más importante es cómo recuerda Michael a su madre”, cuenta de su personaje María Pastor.

EL BAILE COMO LIBERACIÓN

Por otro lado, Padre Jack, el hermano mayor de las cinco protagonistas, vuelve de las misiones africanas con un com-portamiento más que peculiar. “Allí ha asimilado ciertas costumbres como el amor libre o los sacrificios a dioses paganos. Es un personaje muy alocado, lúdico y aventurero” relata Juan Pastor, que además de dirigir da vida a este personaje.

Y es precisamente en medio de estas actitudes en contra de la moral cristiana donde el baile cobra su protagonismo. “La Lughnasa son unas fiestas tradicionales irlandesas entroncadas con costumbres celtas que tienen que ver con la cosecha. Se producían encuentros muy paganos donde se trasgredían cuestiones sexuales. La participación de esta familia en los bailes simboliza la liberación, la huída de la represión de aquella época”, explica el director.

Así la historia recuerda en cierta medida a la escrita por Lorca. Como en “La casa de Bernarda Alba” está presente esa necesidad de un hombre, la represión que sufren estas mujeres, la soltería… pero sin esa dureza ni excesiva carga dramática que deja paso a “la ternura, la calidez y el sentido del humor”, explica Juan Pastor.

Además esa mezcla de presente y pasado le confieren al montaje una cierta nebulosa de irrealidad, un toque casi mágico. “Michael, ahora que ya es adulto, descubre que muchas cosas resultan ser muy diferentes a como las había imaginado, recordado o vivido, como su primer encuentro con Padre Jack, el cuál se imaginaba como un héroe, un ser superior y elevado que irradiaba luz por los pasillos”, explica Raúl Fernández, que interpreta a Michael.

Para Juan Pastor esta especie de magia se explica porque “cuando nosotros evocamos algo en nuestra memoria también está presente la imaginación y eso te gasta malas pasadas. No sabes qué fue real del todo y qué no”.

Desde el 10 de Diciembre

Teatro Guindalera

Drácula

revistateatros — Wed, 09 Dec 2009 09:11:21 +0000

IGNACIO GARCÍA MAY ESCRIBE Y DIRIGE LA VERSIÓN TEATRAL DE LA FAMOSA OBRA DE BRAM STOKER CON JOSÉ LUIS ALCOBENDAS Y JOSÉ LUIS PATIÑO COMO PROTAGONISTAS. UNA PUESTA EN ESCENA MUY ALEJADA DEL CLICHÉ DEL TERROR MELODRAMÁTICO. Por Miriam Gómez

Jung dice en sus memorias que un psiquiatra es un médico del alma. El psicoanálisis se “inventó” en el científico siglo XIX. ¿Qué le pasó a la sociedad occidental para que asumiera que existen enfermedades que un médico tradicional está incapacitado para curar? Seguramente lo que sucedió en el inicio de nuestra moderna y neurótica era industrial tenga mucho que ver con el miedo: miedo a lo que digan, miedo a perder el trabajo, miedo a la vejez, miedo a la muerte o miedo a uno mismo. Esos son los verdaderos vampiros. Aunque no lleven capa ni colmillos ni habiten en castillos lúgubres. A esa idea también se acerca el “Drácula” que adapta y dirige Ignacio García May.

Como él mismo explica, “cuando empezamos a trabajar con el texto, la primera idea fue hacer un ‘Drácula’ convencional pero luego fuimos viendo que los vampiros no son realmente lo más interesante en la novela de Bram Stoker, sino más bien la lucha contra el dolor físico y espiritual. A partir de ahí configuré la versión del montaje.”

EL MIEDO Y EL DOLOR

En una próspera y asfixiante sociedad victoriana, un Van Helsing medio místico y medio psiquiatra intentará curar el alma de un Drácula desencantado y melancólico que se siente incapaz de ir en contra de su destino y de lo que todos esperan que sea.

Un montaje que, lejos de acercarse a las películas melodramáticas del género de terror, está muy próximo a un Chéjov, un Ibsen o un Strinberg “pero con vampiros”. El arquetipo del personaje pálido con capa quizá nos haya embaucado durante mucho tiempo y nos ha alejado de lo que realmente era el trasfondo de la novela original.

En opinión de García May, “creo que somos más fieles que la mayoría de las versiones teatrales que se han hecho hasta la actualidad. El texto de Stoker es realmente muy bello y de una altísima altura literaria. Las películas suelen escoger únicamente los momentos de acción y sangre. Y nosotros hemos seleccionado justamente lo que no es sangre, efectos y acción. Somos bastante fieles porque hemos leído lo que nos contaba realmente el texto. Es una obra sobre la crisis: te lo han quitado todo, te sientes desarmado, en depresión y desesperación. ¿Cómo luchar contra eso?”

ASFIXIANTE MUNDO VICTORIANO

El espacio escénico es fundamental para recrear la atmósfera victoriana donde se sitúa la acción; un mundo recargado de bordados y de papeles pintados. En él, Drácula no viste con capa y frac (otro cliché de los primeros melodramas de terror) sino que, como en la película “Nosferatu”, viste con absoluta normalidad. La angustia radica en otro lugar mucho más íntimo.

El espectador se encontrará una obra de terror pero no de sustos efectistas. El director descartó este tipo de espectáculos porque, como él mismo explica, “únicamente sirven para divertirse un rato; pero si uno se toma el terror en serio, nos encontramos con algo más: el hecho de enfrentarse a nuestros propios miedos”.

Desde el 3 de Diciembre

Teatro Valle-Inclán

Glengarry Glen Ross

revistateatros — Mon, 07 Dec 2009 09:17:42 +0000

DANIEL VERONESE DIRIGE LA NUEVA PRODUCCIÓN DEL TEATRO ESPAÑOL BASADA EN EL FAMOSO TEXTO CON EL QUE DAVID MAMET GANÓ EL PREMIO PULTZER. CARLOS HIPÓLITO, GONZALO DE CASTRO, GINÉS GARCÍA MILLÁN, ALBERTO JIMÉNEZ, ANDRÉS HERRERA, JORGE BOSCH Y ALBERTO IGLESIAS SE METERÁN EN LA PIEL DE UNOS VENDEDORES A LOS QUE LA VIDA HA ROBADO LOS ESCRÚPULOS. Por Miriam Gómez

Atención. Comienza el juego. El mejor de los tres vendedores recibirá un fabuloso Cadillac, al segundo en eficiencia se le entregará un afilado juego de cuchillos y para el que haga menos ventas la empresa le obsequiará con el mejor regalo: ¡Será despedido!

La crisis apremia en una empresa inmobiliaria que propone a sus empleados el siguiente sistema: sálvese quien pueda y ahogue al resto. Daniel Veronese, el que probablemente sea la figura actual más destacada del teatro independiente porteño, se pone al frente de la dirección de esta obra de David Mamet. “Glengarry Glen Ross nos habla de la desprotección de quienes trabajan al servicio de grandes intereses ajenos. Escrita hace más de veinte años, conserva la fibra y la actualidad de una forma estremecedora. Hoy no es difícil imaginarse estos conflictos en un puesto de trabajo”, dice el director.

EL AFILADO DECIR DE MAMET

Mamet, guionista de textos inolvidables como “El cartero siempre llama dos veces” o “Los intocables de Eliot Ness”, ganó el Premio Pulitzer en 1984 con este texto que además fue llevado al cine con un elenco de lujo, encabezado por Al Pacino, Jack Lemmon y Alec Baldwin. La crítica al sistema de hace veinte años parece no haber perdido ni un ápice de actualidad.

Para Veronese, “Mamet –entre otras cosas– realiza una serie de construcciones que se asemejan al habla y al sistema de pensamiento que a mí me interesa exponer en un escenario. Cuando lo leo la comunicación fluye dentro de mi cabeza. Forma e idea están al servicio de la comunicación.”

LA BÚSQUEDA DE LA VERDAD EN ESCENA

Un teatro de actores, pero sostenido con textos poderosos. Parece que el argentino ha encontrado en la dirección su mejor medio de expresión. No parece casualidad que estrene esta obra apenas un mes después de que su colega y compatriota Claudio Tolcachir haya colgado el cartel de completo en la Sala Pequeña del Teatro Español durante casi dos meses. “Sólo busco que haya verdad en el escenario. Que no aparezca el texto, ni las actuaciones, ni las indicaciones de dirección delante de todo lo que vemos. Busco que el teatro esté sostenido exclusivamente por el suceso que estos personajes jugarán. Busco la máxima vía de comunicación”, explica.

Fundador del grupo Periférico de Objetos, mantiene una peculiar interpretación del espacio en el escenario. Como él mismo reflexiona, “respecto a los objetos, estarán, como siempre, los necesarios. Le doy mucha importancia a la escenografía y a los objetos, por eso pienso mucho en ellos y los pongo a prueba. No es fácil ser un objeto o una escenografía y trabajar en una puesta mía. Andrea D`odorico, en este trabajo, ha hecho una escenografía perfecta: hermosa y funcional. Sirve para ser apreciada y –lo más importante– para ser usada”.

Desde el 3 de Diciembre

Teatro Español

Navidades en el Price

revistateatros — Mon, 07 Dec 2009 09:06:00 +0000

ESTAS NAVIDADES LA COMPAÑÍA ALE HOP NOS HACE VIAJAR AL CENTRO MISMO DEL SECRETO DE LOS SUEÑOS. PREPÁRENSE PARA RECIBIR SU REGALO A CAMBIO DE SONRISAS, EMOCIÓN Y EL ALMA AL AIRE. UNA HISTORIA DE FRAGMENTOS ONÍRICOS CONTADOS POR PERSONAJES ESPLENDOROSOS, FABULADORES Y ARTISTAS. SERES FUERA DE SU TIEMPO QUE NOS TRANSPORTAN A UNA ÉPOCA INDETERMINADA. ¿VIENEN? Por Vanesa Ballesteros.

Teatro de calle, circo, animación, impacto visual, imaginación y sano alucine. Un nuevo concepto de espectáculo, una forma vanguardista de hacer teatro. Así es como se presenta la compañía Ale Hop que este año es la encargada de sorprendernos y dejarnos llevar por el espectáculo “Navidades en el Price”.

“Navidades en el Price” es el espectáculo familiar por excelencia para estas fechas. Está coproducido por Teatro Circo Price y The Cirkid que en esta ocasión han querido contar con Ale Hop, una compañía madrileña con 25 años de experiencia en circo y teatro de impacto visual.

LO IMPOSIBLE SE VUELVE REAL

La compañía Ale Hop nos propone un viaje de fábula a través del arte de sus intérpretes y la espectacularidad de sus números que nos transportan a una época indeterminada, formando un completo universo de personajes esplendorosos. La risa, la sorpresa y la emoción están aseguradas. Para José María Silva, director de la compañía, “con este espectáculo creamos un híbrido entre circo con-temporáneo, teatro imaginario y personajes de impacto visual. Lo que pretendemos es fusionar los diferentes ambientes imaginarios y oníricos para introducir al espectador en un mundo mágico de ilusiones y sueños”.

Alejandra Oviedo, directora también de Ale Hop, asegura que “este espectáculo pretende invitar al público a viajar

con nosotros de la mano de un circo provocador, de imágenes y momentos, de risa y sonrisas, de impacto y sutilezas, de luces y sombras, de música y juerga. Un circo actual, moderno, contemporáneo pero creado y sustentado sobre las bases clásicas del circo bien hecho, el circo como auténtIco espectáculo.”

ILUSIONISMO, VÉRTIGO Y EMOCIÓN

Además de los diferentes espectáculos de Ale Hop podremos disfrutar con la participación del Circo Nacional de China con uno de sus espectaculares números, otro número de los Hermanos Gionna con caballos en libertad, o la Troupe Borzovi, que nos sorprende con un número aéreo volante.

Por su parte, Dimitri Prudnikov nos deja helados con su espectáculo de equilibrios, la reina del trapecio es Zenaida Alcalde, las paralelas corren a cargo de la Trope Kara y Fernando Pose nos sorprende con los malabares de rebote.

Desde el 6 de Diciembre.

Teatro Circo Price

Chicago. De Fred Ebb y Bob Fosse

revistateatros — Fri, 04 Dec 2009 10:00:50 +0000

LA GRAN VÍA CELEBRA SU CENTENARIO VIAJANDO HASTA EL CHICAGO DE LOS AÑOS 20. NATALIA MILLÁN, MANUEL BANDERA Y MARCELA PAOLI PROTAGONIZAN ESTA HISTORIA QUE RINDE HOMENAJE A LOS TEATROS DE VODEVIL, PONE EN EVIDENCIA LOS PROCESOS JUDICIALES ESTADOUNIDENSES Y RIDICULIZA A LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN. TODO AL MÁS PURO RITMO DE BOF FOSSE. Por Vanessa Ramiro.

Estados Unidos se transforma. El sector industrial aumenta la producción, disminuye costes y genera beneficios; se populariza el uso del teléfono, el automóvil y los electrodomésticos; aumenta el consumo y la venta a plazos; la radio se erige en medio de comunicación masivo y el jazz comienza a triunfar; se acortan las faldas, se desechan los corsés y las mujeres se cortan el pelo y se maquillan; florecen los bares clandestinos debido a la llamada Ley seca y con ellos un colosal imperio criminal. ¡Bienvenidos a los años 20!

UN MUSICAL DE ÉXITO

Roxie Hart es una ama de casa que sueña con seguir los pasos de la artista de vodevil Velma Kelly. Y lo consigue, pero sendos asesinatos acaban con la artista y la debutante en la cárcel. Desesperada por evitar la condena, Roxie engaña al público, a los medios de comunicación y a su compañera de celda y contrata al abogado más habilidoso de todo Chicago, Billy Flynn, que consigue convertir el premeditado crimen de la joven en una serie de titulares sensacionalistas. La carrera de Roxie despega, con el disgusto de su mentora, pero Velma Kelly no ha dicho aún su última palabra…

Basándose en un artículo de la periodista Maurine Dallas Watkins, un Bob Fosse en la cumbre de su carrera convirtió la historia tremendista y cínica de un crimen pasional en este musical de éxito.

“Chicago” ha formado parte intermitentemente a lo largo de diez años de la vida de Nigel West, director asociado del montaje en España junto a Scott Faris, por eso no duda en afirmar que “Madrid es una ciudad teatralmente hablando con mucha clase y éste es un espectáculo con mucha clase, así que cuadrarán bien”.

Un espectáculo que combina pasión, asesinatos, ambición, baile y mucho jazz. “El desarrollo de la historia a través de la dramaturgia, las partituras y la coreografía hacen de este musical un espectáculo único”, afirma Marcela Paoli. Una idea que corrobora Nigel West: “no hay cosas como ‘Chicago’ ni antes ni después, por eso funciona bien allá donde va”.

¡Bienvenidos a Chicago!

Teatro Coliseum

El sueño de una noche de verano

revistateatros — Fri, 04 Dec 2009 09:49:22 +0000

EL AMOR TERRENAL Y JUVENIL; LA ANTIGUA GRECIA Y UN BOSQUE ENCANTADO; EL TEATRO DENTRO DEL TEATRO; OBERÓN, TITANIA Y SUS HADAS; LOS GNOMOS, LAS NINFAS Y LOS DUENDES… TODOS LOS INGREDIENTES NECESARIOS PARA CREAR EL “SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO” PERFECTO EN ESTA VERSIÓN MUSICAL PARA NIÑOS DIRIGIDA POR ANA MARÍA BOUDEGUER EN EL TEATRO SAN POL. Por Aida Martí.

En la Antigua Grecia va a celebrarse una boda. La de Teseo e Hipólita. Otra boda no va a tener lugar. A Herminia quieren casarla con Demetrio pero ella está enamorada de Lisandro, así que ambos deciden escapar al bosque. Pero Helena, que ama profundamente a Lisandro, los escucha planificar su huída y decide seguirlos…

“Este ‘sueño’ lo tiene todo: el amor juvenil y terrenal de los amantes, la racionalidad, realidad y teatro dentro del teatro representado por los artesanos y la magia del bosque y las hadas”, declara Ana Mª Boudeguer, directora del montaje.

PARA LOS MÁS PEQUEÑOS

Hasta aquí todo sin novedades. Una vez más el archiconocido y complejo texto shakesperiano se lleva a escena. Pero ¿que sucedería si quién se sienta en las butacas del teatro no levanta más de cinco palmos del suelo? Este es el caso. Un montaje dirigido a niños con el que adentrarse en el mundo de los clásicos. ¿Cómo lo ha logrado la compañía La Bicicleta?

“Evidentemente hemos tenido que adaptar el texto. Hemos hecho una versión reducida para que no se haga muy pesado para los niños. Además hemos transformado en cierta medida el lenguaje aunque siempre procurando mantener la maravilla metafórica del autor”, explica la directora.

Por lo demás la historia se mantiene fiel a la original. Después de su huída y ya en el bosque los amantes descubren un lugar mágico, lleno de fantasía y personajes sólo reales en nuestra imaginación: Oberón y Titania, rey y reina de las hadas, los duendes, las ninfas, los gnomos… “Esta parte tan fantástica es de gran ayuda a la hora de dirigir este texto a los niños porque ellos están muy abiertos a esa mezcla entre mundo real y mágico, mucho más que los adultos”, analiza Boudeguer.

UNA VERSIÓN MUSICAL

Lo que definitivamente ayuda a com-prender las partes más complejas del texto son la música y las coreografías. “La música está basada en la que se componía y se escuchaba en la Antigua Grecia. Así bebe de la cítara, la lira, el oboe o las flautas”, nos cuenta Ana María, quien también nos habla de la escenografía.

“El bosque se compone de una tarima que rodea el escenario y un árbol centenario que mira con cara maliciosa. Además unas proyecciones transforman el bosque mágicamente: una luna, estrellas voladoras, rostros que aparecen y desaparecen entre los árboles…”

Teatro San Pol

La Marquesa de O. de Heinrich Von Kleist

revistateatros — Tue, 01 Dec 2009 10:15:18 +0000

JUAN JOSÉ OTEGUI SE DESPIDE DE LAS TABLAS CON LA VERSIÓN DEL FAMOSO Y POLÉMICO CUENTO DE HEINRICH VON KLEIST DIRIGIDO POR MAGÜI MIRA. LO HARÁ ACOMPAÑADO DE JOSEP LINUESA, TINA SÁINZ Y DE UNA JOVEN AMAIA SALAMANCA QUE DEBUTA EN EL TEATRO CON ESTA FUNCIÓN. Por Miriam Gómez.

En una ciudad importante en el norte de Italia ocurrió un suceso que dejó a toda la ciudad conmocionada. La Marquesa de O, joven y viuda, anunció a través de los periódicos que se encontraba embarazada sin saber cómo, y suplicaba en el anuncio que el padre de su hijo se encontrase con ella para casarse.

Primero hubo burlas, después rechazo y por último el abandono de sus padres (interpretados por Juan José Otegui y Tina Sáinz). Meses antes una horda de tropas rusas habían conquistado la ciudad y un desconocido oficial había –supuestamente- salvado a la Marquesa (Amaia Salamanca).

“Se trata de un cuento que nos narra la historia de un escándalo. Una joven tira del mantel, rompe el dulce equilibrio de cada día y, con el estruendo de copas rotas, derrama el vino por el suelo y huele las emociones extremas de una sociedad atada por las prohibiciones”, declara la directora, Magüi Mira.

ROMANTICISMO REVOLUCIONARIO

La culpa, la inocencia y el perdón se entremezclan en este cuento de Heinrich Von Kleist cuya adaptación teatral ha sido realizada por Emilio Hernández, director del Festival de Almagro desde 2005.

La vida del propio Kleist fue un continuo ataque revolucionario contra el racionalismo de su época. Esta mentalidad dieciochesca está muy bien representada en el personaje del padre de la Marquesa, interpretado por Juan José Otegui. “El coronel es el padre de la protagonista. Representa a la sociedad estricta, moralista y racionalista de la época. Es un perdedor porque finalmente acaba siendo vencido por la transgresión y la rebeldía, personificadas en la Marquesa de O. Ella representa la ruptura romántica con la sociedad anterior”, explica.

La obra de Kleist es escasa pero muy importante para comprender el romanticismo alemán representado también por ilustres escritores como Goethe, Schiller o por el pintor Friedrich. Pero a pesar de su calidad no fue bien recibida por el público y la crítica de su tiempo y su teatro no ha sido representado hasta el siglo XX. Los motivos quizá puedan buscarse en los polémicos temas de sus obras. Sirva como ejemplo el argumento especialmente escandaloso de “La Marquesa de O”. Porque, tal y como reflexiona Otegui, “el teatro refleja la sociedad en la uno vive y también nos muestra lo que puede ser entendido como trasgresión en cada momento. Actualmente la situación que narra esta historia se viviría con mayor normalidad, pero en aquella época fue un escándalo”.

Con este montaje el prolífico actor se despide de los escenarios. “Pongo fin a 49 años de profesión tras 107 estrenos teatrales. Me alegro mucho de hacerlo con este montaje, sobre todo por el placer de ver nacer a una actriz con tanto potencial como Amaia Salamanca”, declara Otegui.

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