Spamalot. El musical. De Los Monthy Phyton.

CONTINÚA EL ÉXITO DE LA ADAPTACIÓN DE TRICICLE INSPIRADA EN LAS FAMOSAS PELÍCULAS DEL GRUPO BRITÁNICO. EL REY ARTURO Y SUS ALOCADOS CABALLEROS SE ENFRENTAN CADA NOCHE A LA AVENTURA MÁS IMPORTANTE Y DIVERTIDA DE SUS VIDAS: ENCONTRAR EL SANTO GRIAL. ¿LOGRARÁN SU OBJETIVO? Por A. Martí y M. Gómez.

 

Se apagan las luces. Un viejo y polvoriento historiador comienza a contarnos una historia conocida por todos: la de la valerosa búsqueda del Santo Grial por parte del rey Arturo y sus esforzados caballeros. Pero, ¿conocemos de verdad cómo fueron sus aventuras?

Una mezcla entre diosa celta y diva de Las Vegas despechada (llamada la Dama del Lago) les ayuda en su aventura.  Porque el rey Arturo es muy esforzado, sí, pero más bien corto de miras y los fieles  Lancelot, Robin, Galahad y Bedevere distan mucho de ser caballerosos. 

Conejos asesinos, franceses “muy franceses” que disparan vacas, patos troyanos y batallas con caballeros negros sin cabeza serán algunas de las pruebas a las que tendrán que enfrentarse en su periplo estos personajes interpretados por Jordi Bosch, Dulcinea Juárez, Víctor Ullate, Fernando Gil e Ignasi Vidal entre otros. 

EL ORIGEN DE SPAMALOT

Decir “Spamalot” no es lo mismo que decir “Camelot” (de hecho el primero es una especie de mortadela hecha con restos de mortadela) y la revisión que Tricicle hace del mito artúrico parece mucho más audaz y divertida que la que nos contaron en las clases de literatura…

El musical, original de John Du Prez y de Eric Idle (miembro originario de los Phyton), quiso llevar a Broadway la esencia de películas como “Los caballeros de la mesa cuadrada”, “La vida de Brian” o “El sentido de la vida”. Fue todo un éxito en Estados Unidos y  también lo está siendo en España.

Tricicle ha adaptado la puesta en escena original a la idiosincrasia española. Como cuenta Paco Mir, uno de los integrantes de Tricicle, “las parodias son muestras de ingenio con un referente claro. En el caso de este musical, hemos hecho más hincapié en la parodia de “un espectáculo” que en la parodia concreta de musicales como “El Fantasma de la Ópera”, por ejemplo”. 

DE BROADWAY A LA GRAN VÍA

Originales participaciones como la del Gran Wyoming y nuevos gags se mezclan con parodias sobre los judíos en Broadway y peleas entre finlandeses al son de la danza del Pez Bofetón.

Más de ochenta personas logran que cada día el Lope de Vega pueda subir el telón. Mir nos explica que, “sin ser una franquicia, la escenografía está basada en la original de Broadway. Es muy versátil ya que tiene que reflejar con veracidad unos quince espacios diferentes”.

Sea entendida como una parodia artúrica, un homenaje cinematográfico o simplemente un divertido espectáculo… “Always look at the brigh side of life”.  La sonrisa está asegurada. 

TEATRO LOPE DE VEGA

 

La italiana en Argel. De Gioachino Rossini

ESTA ÓPERA COMPUESTA PORO GIOACHINO ROSSINI CON LIBRETO DE ANGELO ANELLI SE ESTRENÓ EN EL TEATRO SAN BENEDETTO DE VENECIA EN 1813 COSECHANDO UN ÉXITO APOTEÓSICO. EL TEXTO BEBE DE LA IMPROVISACIÓN Y LOS PERSONAJES BUFOS DE LA COMEDIA DEL ARTE, DE MOLIÈRE Y DEL ROMANTICISMO. SU GENIALIDAD RESIDE EN “ESE HUMOR LÚCIDO E INTELIGENTE QUE DA COMO RESULTADO UN CUENTO LLENO DE METÁFORAS”, AFIRMA JOAN FONT, DIRECTOR DE ESCENA. Por M. Sinibaldi.

 

ORIENTE Y OCCIDENTE

Una playa de Argel. A lo lejos se ven los restos de un naufragio. Isabella, víctima del desastre, ha venido desde Italia para buscar a su amado, Lindoro, que ha sido convertido en el esclavo de Mustafá, el bey de la capital argelina. “Esta ópera trata dos temas fundamentales: la relación entre culturas, entre Oriente y Occidente, y la confrontación entre sexos, entre lo masculino y lo femenino”, explica Joan Font, director de escena. Mientras en palacio, Mustafá reniega de su esposa y ordena a Lindoro que se case con ella si quiere volver a Italia. El bey quiere a Isabella para su harén… “La mujer que Rossini retrata en esta obra es la que sabe sacar sus armas de seducción para conseguir lo que quiere y los hombres caen rendidos a sus encantos.  Es una obra muy feminista en ese sentido y cargada de gran sexualidad y sensualidad más que de amor”, analiza Font. 

Y así es como en tan sólo 24 horas Isabella logra su propósito y huye con su enamorado Lindoro hacía Italia, eso sí, transformados. “Los italianos se marchan vestidos de árabes y Mustafá se queda vestido de ita-liano. Hay un intercambio de roles que hace hincapié en esa mezcla que se produce cuando hay contacto entre dos culturas”, dice Font. 

Musicalmente esta ópera está considerada como la obra de madurez de Rossini. Cuenta con una música peculiar que el autor compuso con tan sólo 21 años y de una sola vez. “Es una partitura que se caracteriza por la espontaneidad y la frescura, despreocupada de los refinamientos y que va a lo directo”, explica Jesús López Cobos, director musical. Y añade “con ella Rossini encuentra un estilo propio y personal que ningún otro autor se atrevió a imitar marcado por la gran abundancia de ritmos y una orquestación fabulosa”. 

OMNIPRESENCIA DEL MAR  

La historia se produce en un espacio vacío que se va llenando de objetos. Una playa inmensa con un embarcadero en el fondo. “El mar tiene gran importancia, es un elemento omnipresente que sirve de puerta de entrada y salida, como camino que une a los pueblos”, concluye Font.

Del 1 al 18 de Noviembre

TEATRO REAL

 

Glow. De Lior Kalfo

LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO, ESTÉTICA CÓMIC, TEATRO NEGRO, INTERACCIÓN, MÚSICA, EFECTOS ESPECIALES, UN IDIOMA PROPIO, UN ORIGINAL VESTUARIO, 14 ACTORES, SORPRESAS Y UN HUMOR EXPLOSIVO PARA CONTAR UNA BONITA HISTORIA DE AMOR. “GLOW” ES TODO ESTO Y ALGO COMPLETAMENTE NUEVO AL MISMO TIEMPO.  Por V. Pulido

Glow, tal como afirma su creador e intérprete sobre el escenario, Lior Kalfo, “es un tipo solitario, soltero, muy tímido y con una baja autoestima. Un romántico que sueña despierto”. Un día, en su gris oficina aparece su amor verdadero, una rubia secretaria que enciende en él el fuego del amor y la chispa de su hombría.

Pero Glow es un héroe sólo en sus fantasías. En ellas puede convertirse en un valiente vaquero o en el hombre más rico del mundo, salvar a la chica y vencer a su horrible y egoísta jefe. Y, aunque la realidad acaba imponiéndose, Glow no está dispuesto a rendirse. Quiere conquistarla a toda costa, pero en el camino tendrá que acabar no sólo con su jefe, sino también con unos cuantos monstruos y con sus propios miedo y vergüenza. Hasta aquí todo parece normal, pero…

TEATRO CINEMATOGRÁFICO

“El público está a punto de ver algo que nunca antes ha visto, una extravagancia de escenas visuales, coloridas y muy vivas que emergen de una comedia romántica pura acabando en una lucha ‘a lo Matrix’ que nunca olvidarán”, nos cuenta el director. Tanto es así que Lior Kalfo lo define como “Teatro cinematográfico”, un nuevo género que traslada la magia del cine al teatro, y que permite crear escenas visualmente increíbles vistas antes sólo en las películas.

TODOS SOMOS “GLOW”

“Casi todo hombre es un poco Glow en el fondo de su corazón. Yo sé que lo soy…”, afirma Lior Kalfo. Quizás por eso, en esta historia que ha llevado dos años de intenso proceso creativo han creído también creadores mundialmente conocidos, como Bernie Kukoff, creador de la exitosa serie “Different Strokes” y de la obra de más permanencia en Broadway “I love you, you’re perfect, now change!”, además de productor de “The Bill Cosby Show”, y David Ottone, fundador y director artístico del grupo de teatro español Yllana, o el grupo de danza y percusión israelí Mayumaná, que produce este inusual montaje.

Sobre el escenario, aunque no lo parezca, catorce actores dan vida no sólo a un mundo rico en imaginación y diversión, con música muy rítmica, monstruos, algún personaje muy particular, palomitas gigantes y un vestuario espectacular, sino también a un nuevo lenguaje universal: el ‘Glowish’, una mezcla de palabras conocidas por todo el mundo sacadas de ocho lenguas, entre ellas inglés, italiano, español y francés. “Este idioma afecta a la gente cuando acaba el espectáculo. Muchos se refieren a él como el ‘esperanto moderno‘, lo cual para mí es todo un halago”, afirma Kalfo.

TEATRO NUEVO APOLO

El mago de Oz. El musical

HACE AHORA 70 AÑOS TUVO LUGAR EL ESTRENO DE LA ADAPTACIÓN CINEMATOGRÁFICA DE “EL MAGO DE OZ”, LA NOVELA ESCRITA POR LYMAN FRANK BAUM. POR ESO DESDE MUNDIARTISTAS, BAJO LA DIRECCIÓN DE ALBER PONTE, HAN QUERIDO CELEBRAR ESTE ANIVERSARIO PONIENDO EN PIE UNA VERSIÓN PERSONAL DE ESTE MUSICAL EN EL TEATRO PRÍNCIPE GRAN VÍA.  Por M. Sinibaldi

 

El camino de baldosas amarillas conduce a Oz. Hasta este fantástico mundo de hadas y seres de cuento deben llegar Dorothy y su perro Toto si quieren volver a casa con tío Henry y tía Enma. Un tornado les alejó de su hogar, pero la bruja mala del Este y la del Oeste no les van a poner las cosas nada fáciles… 

PERSONAJES VULNERABLES

La historia de siempre contada como nunca. “La prioridad en nuestro proyecto consistía en realizar el montaje que a nosotros nos gustaría ver como espectadores, es decir, disfrutar con una historia, cuyo concepto básico ya es conocido, pero ofreciendo nuevos matices, entre ellos profundizar más en unos personajes vulnerables y más humanos e intentar la cercanía del público hacia ellos”, explica Alber Ponte, director del espectáculo y narrador en el mismo.

Estos personajes que acompañan a Dorothy en su aventura son un león cobarde, un hombre de hojalata sin corazón y un espantapájaros sin cerebro que nos enseñan la importancia de la inteligencia, el valor y el amor en nuestras vidas. Pero el mensaje, según el director, va más allá: “Déjese llevar por su instinto, y hágale caso a su corazón. Si desea algo con fuerza, estudie, trabaje, luche y lo conseguirá sin olvidar factores como la amistad y el valor de un hogar.”

MÚSICA, DANZA Y  MAGIA

Otras novedades que hacen a este espectáculo único son los trucos de magia a cargo de Oliverio Satisfecho, que interpreta al mago de Oz. “Cuando los protagonistas llegan al final de su viaje, a la Ciudad Esmeralda, este mago profesional realiza varios trucos sencillos pero sorprendentes”, desvela Ponte, que también nos habla de las sorpresas musicales que alberga el espectáculo. “He compuesto seis temas nuevos que nos ayuden a conocer mejor a los personajes. Hay géneros como el gospel, el country, el rock, el swing o el funky”.

El lenguaje también se ha actualizado aunque siempre respetando el modelo original. Así, encontramos palabras en inglés y referencias a situaciones y personajes que no existían cuando se publicó esta novela. El león reconoce que “buscar un escondite ya no mola” mientras que el espantapájaros canta “Mortadelo sin Filemón, un partido sin un gol, así es mi vida sin emoción”.

Una escenografía sencilla y un vestuario y maquillaje prodigiosos nos trasladan definitvamente a Oz, “ese lugar donde se pueden hacer realidad nuestros sueños, esa isla donde nunca sienta mal arrivar, esa vía de escape y de encuentro con lo mejor que llevamos en nuestro interior”, concluye el director.

TEATRO PRÍNCIPE

 

Andalucía a Escena

DEL 21 DE OCTUBRE AL 15 DE NOVIEMBRE CINCO ESPECTÁCULOS NOS MUESTRAN EN EL BELLAS ARTES LO MEJOR DEL TEATRO , LA MÚSICA Y EL BAILE DE ANDALUCÍA. UNA L LAMADA A LA REFLEXIÓN CON “EL REY DE ALGECIRAS”, MARIONETAS DE LENGUA AFILADA EN “ES PUTO CABARET”, DANZA, MÚSICA Y VOZ EN DIRECTO CON “THE OTHER SIDE”, EL FLAMENCO DE “TI-ME-TA-BLE O EL TIEMPO INEVITABLE” Y LA MAGIA Y EL MITO DE “ARIADNA”. Por Vanesa Ballesteros.

“EL REY DE ALGECIRAS”

Del 21 al 25 de octubre llega “El Rey de Algeciras”, un montaje inspirado en hechos y personajes reales, ambientado en Algeciras y con la inmigración clandestina como tema principal. Juan Alberto Salvatierra ha escrito el texto tras una visita del Rey de España, Juan Carlos I, a la ciudad gaditana por la que “se engalanaron las calles y se repartieron monos de trabajo a los indigentes para que parecieran empleados del puerto. Fueron unos días en que volvimos la espalda a la realidad”, afirma el autor.

El director, Julio Fraga, afirma que “hemos intentado dar una visión muy personal de Algeciras, entendiéndolo y dándole una composición teatral”. No faltan ingredientes andaluces como el sentido del humor, el flamenco, el quejido o el grito.

“ES-PUTO CABARET”

El Cabaret más petardo, corrosivo y burlón del mundo llega de la mano de Espejo negro con “Es-puto Cabaret” (del 28 de octubre al 1 de Noviembre). Un espectáculo donde la marioneta es la reina indiscutible del escenario y los actores manipuladores sólo son el sostén que las ayudan a cobrar vida ante los ojos del público.

Dirigida por Ángel Calvente, esta obra ruboriza al más escéptico de los especta-dores por su autenticidad y libertad. “Con un lenguaje propio, hemos revolucionado el teatro de marionetas para adultos. Se han roto moldes creando este espectáculo original en el que los títeres no dudan en reivindicar y mostrar diferentes maneras de entender la vida, el sexo, la religión y la política sin ningún tabú”, declara el director. 

Las marionetas más excéntricas y descaradas del mundo están acompañadas de la más exuberante, fondona y subversiva estrella del transformismo, Marianna Travelo, corista de una troupe de monstruos salidos de la más inverosímil fantasía.

Travestismo, pistolas, canciones y cortinas de terciopelo rojo de ambiente prostibulario. Una suerte de parada de monstruos de lengua afilada y ninguna vergüenza manipulada por las manos de Susana Almahano, Antonio Arcos, Ana Gardeta y el propio Calvente.

“THE OTHER SIDE” (7 y 8 de noviembre)

La Compañía de baile Fernando Hurtado presenta “The Other Side” un montaje de cinco bailarines que supone un viaje a los infiernos del modo de vida contemporáneo y una reflexión sobre las luchas absurdas, el amor más tierno, el amor sexual, el silencio, el sonido, el bien y el mal. Montaje que mezcla la danza con la música y la voz en directo.

“TI-ME-TA-BLE O EL TIEMPO INEVITABLE” (4 y 5 de noviembre)

El compás persistente, inexorable, con su acento y su silencio nos lo acercan Marco Vargas y Chloé Brülé con su espectáculo “Ti-me-ta-ble o el tiempo inevitable”. Vargas nos explica que “es un paso más en el flamenco al utilizar lenguajes de otras disciplinas como el teatro o la danza contemporánea”.

“ARIADNA”  (del 11 al 15 de noviembre)

La compañía “Atalaya Teatro” pone en escena el montaje de Ricardo Iniesta centrado en la hija de Minos y hermana de Minotauro. El sentido musical y mágico de Ariadna “va muy lejos ya que a la intensidad emocional de los cantos étnicos -interpretados por los actores- se añade el trabajo de composición y acompañamiento musical de Luis Navarro”, según su director.

Desde el 21 de octubre al 15 de noviembre

Teatro Bellas Artes

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La tortuga de Darwin. De Juan Mayorga

SI HAY UNA PERSONA A LA QUE LE HACE TREMENDA ILUSIÓN CELEBRAR EL 15 ANIVERSARIO DEL TEATRO DE LA ABADÍA, ESA ES CARMEN MACHI. NO EN VANO PROCEDE DE LA PRIMERA PROMOCIÓN DE ACTORES DE LA “CANTERA ABADÍA”, DE LOS QUE ENSAYABAN SIN CALEFACCIÓN, Y LO VA A CELEBRAR CON LA VUELTA AL CAPARAZÓN DE HARRIET. Por Vanessa Ramiro.

 

Harriet: Para vivir, hay que olvidar y, cuando se ha vivido mucho, hay que olvidar mucho.  

Quién sabe si algo así pudo pensar Harriet antes de morir a los 176 años de edad. ¿176 años? No, no es un error. Todo se entiende especificando que Harriet es una tortuga. Más que una tortuga, la tortuga gigante que Darwin transportó en el “Beagle” desde el archipiélago de las Galápagos hasta el puerto inglés de Falmouth, y, hasta hace poco más de tres años, el animal vivo más viejo del mundo. Pero, ¿desde cuándo piensan las tortugas?.

Ahí es donde entra Juan Mayorga. “Imaginé a una tortuga de casi doscientos años que ha sobrevivido a once papas y a treinta y cinco presidentes norteamericanos, a dos guerras mundiales, a la Revolución de Octubre y a la Perestroika. Un animal que, habiendo tenido que adaptarse una y otra vez a las más diversas circunstancias, ha evolucionado hasta ser casi una persona, o hasta ser algo más que una persona” afirma el autor.

LA HISTORIA, A RAS DE TIERRA

Un historiador recibe en su despacho la insólita visita de una señora que dice ser la tortuga que ha evolucionado hasta adoptar la apariencia de una anciana y ser capaz de caminar, hablar y pensar. Una extraña figura que pronto despierta la ambición humana porque el historiador y un médico se la disputarán con tal de cubrirse de gloria.   Mientras esto sucede, Harriet nos hace emprender un vertiginoso viaje por el espacio y por el tiempo en el que resuenan ecos de Kafka, Ionesco y Bulgakov. No en vano, en un escenario convertido en un gran terrario cohabitan los personajes (interpretados por José Luis Alcobendas,  Susana Hernández y Daniel Moreno) con algunos de los dirigentes que han protagonizado el lado más abominable de nuestra historia reciente.

CARMEN Y HARRIET

Harriet y Carmen se conocen desde hace tiempo, conectan, se entienden, se gustan y, por eso, han sido tan premiadas y elogiadas. “El personaje es tan hermoso, el texto es de una belleza tal que salirte por la boca es un placer”, afirma Carmen Machi. 

Para Ernesto Caballero, el director de este montaje, la apuesta también estaba clara: “Carmen es un monstruo de la escena, es una actriz con un nivel de fe, de confianza y de entrega por encima de lo normal y un regusto y respeto por la palabra que hace que sea una de nuestras primeras actrices”.

Pero también para la otra mitad del dúo, para Harriet, el director tiene unas palabras: “Es un personaje defraudado por la humanidad y su objetivo es retirarse a las islas Galápagos y reencontrarse con el mundo natural que le parece mucho menos hostil que el de los humanos”.

Harriet: “Sólo veo dos clases de personas: personas que se comportan como bestias y personas que son tratadas como bestias”.

Desde el 20 de octubre.

Teatro de la Abadía

La tabernera del puerto. De Pablo Sorozábal

LA ZARZUELA MÁS POPULAR DE PABLO SOROZÁBAL VUELVE AL TEATRO DE LA ZARZUELA BAJO LA DIRECCIÓN DE LUIS OLMOS. UNA FÁBULA AMBIENTADA EN LOS AÑOS TREINTA PARA CONTARNOS LAS AVENTURAS Y DESVENTURAS DE UNOS PERSONAJES LLENOS DE SENTIMIENTOS QUE CONSIGUEN TRASLADARNOS A UNA ÉPOCA GRIS DE NUESTRO PAÍS. CARMEN GONZÁLEZ, PILAR MORAL, MARTA MORENO, JOSÉ JULIÁN FRONTAL Y JOSÉ BROS, ENTRE OTROS, DAN VIDA A LOS PROTAGONISTAS. Por B. Abad.

En abril de 1936 se estrenó en el Tívoli de Barcelona la que se convertiría en la zarzuela más emblemática de Pablo Sorozábal, “La tabernera del puerto”. Después de la puesta en escena de 2006 se presenta de nuevo en el Teatro La Zarzuela este montaje con la revisión dramatúrgica de Luis Olmos, Miguel Roa y José Miguel Pérez Sierra en la dirección musical y libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw.

LA REALIDAD MÁGICA

En esta Tabernera viajamos más que nunca a la fecha de su estreno. Los vestuarios preciosistas y atractivos, en especial los de Marola, la protagonista, “tienen un regusto muy de época aunque es inevitable que nos recuerden a esa  magia del mundo del cómic, en torno a la cual se desarrolla el espectáculo. Tintín, El Capitán Trueno, El Halcón Maltés… en los personajes de estas viñetas clásicas nos inspiramos para mostrar el escenario y el vestuario de una Tabernera del Puerto muy real, pero a la vez de mucha fantasía”, declara Luis Olmos.

La historia nos lleva a Cantabreda, una ciudad imaginaria del norte de España donde el marino Juan Eguía y su esposa, Marola, han instalado una taberna en pleno puerto a donde acuden los marineros para contemplar a la tabernera por su belleza. Es un verdadero drama lírico en el que están retratados la amable y enamorada tabernera, un padre autoritario y violento y las envidias de las mujeres del pueblo que desconocen el pasado de Marola y ven en su juventud y belleza un peligro para su tranquilidad. 

Olmos nos explica la enorme “dificultad de este montaje. Una obra que es como una fábula, una fantasía ambientada en un pueblo que muestra unos personajes ya en decadencia. Unos piratas que ya no lo son y que sobreviven gracias al  trapicheo, seres marginales en un mundo oscuro y clandestino”.

UN RETO VOCAL

Carmen González, Pilar Moral, Marta Moreno, José Julián Frontal y José Bros, entre otros, son los protagonistas de esta historia. José Julián Frontal ensalza la “expresión de los sentimientos humanos, con todos su matices, que ofrece esta zarzuela. Juan de Eguía es embaucador y sensible a la vez; Marola y Leandro represen-tan la ingenuidad; Verdiel es la maldad y Simpson el gran narrador. Todo esto hace de esta pieza una obra seria y llena de unidad con partes cómicas que reflejan la cotidianidad”. Un coro de casi 40 voces junto a un elenco de 14 actores, nos trasladan a los años 30 para poder  disfrutar de la gran música de Sorozábal, que aúna la orquestación más fulgurante con la propia del género chico.

Desde el 16 de octubre.

Teatro de la Zarzuela

40, El Musical

EN 1966 NACÍA LA EMISORA DE RADIO “LOS 40 PRINCIPALES” Y DESDE ENTONCES SE HAN ENCARGADO DE HACER LLEGAR A NUESTROS OÍDOS LOS NÚMEROS UNO DE LAS  LISAS DE ÉXITOS. AHORA LLEGA AL TEATRO RIALTO ESTE ESPERADO MUSICAL QUE RINDE TRIBUTO A LA EMISORA Y A LA MEJOR MÚSICA DE AYER Y DE HOY. A CARGO DEL GRUPO DRIVE Y GRAN VÍA MUSICAL. Por M. Sinibaldi. 

 

LA BANDA SONORA DE NUESTRA VIDA

40 años haciendo radio. 40 años recogiendo los éxitos musicales nacionales y de fuera de nuestro país. 40 años creando la banda sonora de nuestra vida. Ahora Grupo Drive (responsables de éxitos como “Hoy no me puedo levantar”) en colaboración con Gran Vía Musical (perteneciente a Unión Radio) han querido “hacer un homenaje a la radio y a la música que nos ha acompañado a todos en algún momento”, explica Miquel Fernández, director artístico y protagonista de más de veinte producciones musicales. Así nace “40, el musical”.

“Ha sido difícil elegir entre los más de 2.000 éxitos de los 40 Principales desde su fundación y, sobre todo, porque teníamos que hacer hincapié en los temas más actuales”, confiesa Daniel Sánchez Arévalo, autor del libreto y director de filmes como “Azuloscurocasinegro” –por el que recibió tres Premios Goya– y “Gordos”. Pero finalmente se ha logrado una selección de 100 canciones (completas o fragmentos) tan conocidas como “Corazón Partío” de Alejandro Sanz, “Cien gaviotas” de Duncan Dhu, “7 vidas” de Antonio Flores, o “A Dios le pido” de Juanes escuchadas en riguroso directo.

De construir la historia encima del escenario se encargan Adrián Lastra (Joaquín), Pablo Pujol (Mateo), Armando Pita (Chema), María Blanco (Laura), Susana Martín (Sara), Gerardo González (Arturo), Xavi Duch (David) y Sandra Cervera (Alex) entre otros actores, que junto a 21 bailarines estarán bajo la dirección de Secún de la Rosa. Todos ellos darán vida a “un grupo de veinteañeros obligados tomar decisiones, madurar y enfrentarse a situaciones límite. Uno de ellos inicia un radioblog en Internet para airear las intimidades de sus amigos con el fin de ayudarles pero finalmente acaba provocando caos y confusión”, cuenta Sánchez Arévalo.

EL MUSICAL DE LA MÚSICA

Como en todo musical de estas características la puesta en escena será espectacular aunque también muy minimalista según describe Fernández: “se encarga Ana Garay, una de las grandes escenógrafas de nuestro país, artífice, entre otras, de la escenografía de `Hoy no me puedo levantar´, `Un Dios Salvaje´ o `Arte´.”

El amor, el sexo, las relaciones familiares, la amistad, la lealtad… comparten protagonismo con la música, un trabajo que corre a cargo de Carlos Nerea. Y como éste es el musical de la música, desde que el teatro Rialto abra sus puertas para dar comienzo a la función, un DJ hará desfilar los más grandes éxitos. 

Desde el 15 de octubre

Teatro Rialto

El juglar del Cid. De Pedro Manuel Víllora

“LA HISTORIA DE ESPAÑA ES COMO LA MORCILLA, ESTÁ LLENA DE SANGRE Y SE REPITE”, DICE CIDE HAMETE BENENGELI. PARA DEMOSTRARLO JUANMA CIFUENTES E ISRAEL RUIZ VIAJAN A LA EDAD MEDIA Y, SIGUIENDO LA ESTRUCTURA DEL “CANTAR DEL MÍO CID” APROVECHAN PARA REFLEXIONAR SOBRE NUESTRA HISTORIA Y, DE PASO, DEMOSTRAR QUE, PASADOS LOS SIGLOS, POCO HA CAMBIADO. Por V. Pulido

 

Cide Hamete Benengeli: Me imagino que queréis que cuente una historia, ¿no? He pasado una y mil vidas inventando historias para entreteneros… 

Así comienza el juglar… Así comienza esta historia…  “El juglar es un transmisor de arte y pensamiento, crea y difunde modas, recupera textos, intercambia poemas y canciones. Es un precedente del actor tal como hoy lo entendemos”, opina el autor de este divertido texto, Pedro M. Víllora.

Porque esta obra es, sobre todo, eso, un tributo al actor. “Es un homenaje al cómico a través de los siglos, al cómico poeta, al juglar de la legua”, nos cuenta Juanma Cifuentes. Él es el juglar Cide Hamete Benengeli, el protagonista, pero también el director de este montaje en el que Israel Ruiz interpreta a Rodrigo Díaz de Vivar y al juglar joven.

EL CID Y ÁNGEL CRISTO

Y ahora imaginemos a un actor, a un juglar que no sólo conoció a un tal Rodrigo Díaz de Vivar sino que decidió contar sus aventuras y desventuras e inventarse, de paso, algo por el camino. Pero, ¿qué pinta Ángel Cristo en un montaje sobre el Cid?

“La obra es un juguete divertido, es un espectáculo histórico-cómico-musical, una mezcla de muchas cosas. Mucha gamberrada”, nos cuenta el director entre risas. Y no miente. Éste es uno de esos montajes en los que se aúnan épica, manteniendo el rigor del poema, drama y humor, mucho humor. Y también música en directo, rap, baile, juegos malabares, guiños al público y mucha crítica irónica y divertida: a la religión, a la educación y los planes educativos, a los presupuestos, a la violencia de género… Por ejemplo, dice el juglar: “pero cómo es posible que las fronteras corran tanto si las tierras no se mueven de su sitio”.

Aprovechando el centenario del “Cantar de Mío Cid”, este divertido montaje reflexiona, a través de dos juglares, uno viejo y otro joven al que pretende pasar los trastos, sobre nuestra Historia con claras alusiones a nuestro tiempo y un alegato final: “Que las circunstancias no impidan la lucha del cómico por contar historias, que no nos cierren la boca. Los cómicos siempre estamos ahí para sacar la verdad y denunciar las cosas que creemos que no están bien hechas”, concluye Cifuentes.

Cide Hamete Benengeli: “Seguiré caminando, seguiré buscando aunque no pueda más”. 

 

PEDRO MANUEL VÍLLORA

Como un Óscar Wilde español, políticamente incorrecto y hombre de teatro total. Así ha definido alguna vez Juan Carlos Pérez de la Fuente a Pedro M. Víllora. Dramaturgo, poeta, profesor, director de escena, incluso actor ocasional, guionista, editor, crítico literario y teatral y ahora también vicedirector de la Real Escuela de Arte Dramático de Madrid, este rodense es uno de los autores más activos del panorama español. 

Entre otras, ha escrito “La misma historia”, estrenada por el Centro Dramático Nacional en 2002, “Las cosas persas”, premio Rojas Zorrilla en 1997, o “Bésame, macho”, Premio Nacional de Teatro Calderón de la Barca en el 2000.

Desde el 8 de octubre.

Teatro Alfil

La verdadera historia de los hermanos Marx

LOS HERMANOS MARX DAN EL SALTO DE LA GRAN PANTALLA AL ESCENARIO DEL TEATRO FÍGARO PARA IMPEDIR QUE UN FILME QUE LES DEJA MAL PARADOS SALGA A LA LUZ. UNA HISTORIA ESCRITA POR JULIO SALVATIERRA Y PUESTA EN PIE POR ÁLVARO LAVÍN, QUE TAMBIÉN DA VIDA A GROUCHO. EUGENIO VILLOTA (CHICO), CHANI MARTÍN (HARPO), IVÁN VILLANUEVA (ZEPPO), MARINA SERESESKY Y PALOMA VIDAL COMPLETAN EL REPARTO. Por M. Sinibaldi

 

¡Extra, extra! Se ha descubierto una película secreta de los Hermanos Marx. Una película que contiene imágenes inéditas de su vida privada y que puede alterar nuestra visión sobre estos genios del humor de principios del siglo XX. 

“En los años 90 salieron a la luz unos archivos del FBI en los que se afirmaba que Groucho Marx había sido investigado durante la caza de brujas ejercida por el senador McCarthy”, afirma Álvaro Lavín, director del montaje, “esta anécdota real es el punto de partida que toma Julio Salvatierra para escribir el texto”. 

DEL CELULOIDE AL TEATRO

Así Groucho, Chico y Harpo aparecen en una de las sedes de la ONU para evitar que la película se proyecte delante de cientos de personas que esperan impacientes. Pero de repente el filme desaparece ante la mirada atónita de los espectadores ¿alguien lo ha robado? 

“Durante la función se van a poder ver fragmentos de esa película. Hemos rodado una especie de documental como si fuera del siglo pasado con escenas de hechos políticos relevantes. En ella han colaborado varios actores: Antonio Molero, caracterizado de Stalin, Alfonso Lara, que da vida a Fidel Castro, Javier Veiga, Pepa Pedroche…”, explica Lavín. 

Es Zeppo, el cuarto hermano Marx, quien se ha hecho con la película ayudado de una misteriosa rubia que según el director “reconoceremos perfectamente a lo largo de la función”. El resto de hermanos comienza un viaje en busca del celuloide en compañía de Lady Daisy Olparrot, “que no es otra que Margaret Dumont, que en tantas películas participó con los Marx”, desvela Lavín. 

“Esta función, aderezada con números musicales y de variedades nos hace viajar en el tiempo y revivir el espíritu de las películas de estos cómicos”, concluye el director que también da vida a Groucho. Los hermanos Marx han vuelto. ¿O acaso nunca se fueron?

Teatro Fígaro-A.Marsillach